Pecadores - Uma Mistura Que Só Coogler Conseguiria!

Pecadores | Warner Bros. Pictures

Tentando deixar suas vidas problemáticas para trás, os irmãos gêmeos retornam à sua cidade natal para recomeçar, apenas para descobrir que um mal ainda maior está esperando para recebê-los de volta.

A direção fica por conta de Ryan Coogler, o mesmo cineasta por trás de Pantera Negra, Creed: Nascido para Lutar e Fruitvale Station. Neste trabalho, Coogler entrega um filme autoral, no qual imprime de forma marcante sua visão pessoal. Diferente de adaptações de quadrinhos, biografias ou outros formatos preexistentes, este é um projeto original — com uma forte "assinatura" criativa que reflete seu estilo único de contar histórias.

Pecadores é como dois filmes em um. De um lado, acompanha a trajetória dos irmãos gêmeos Smoke e Stack — ambos interpretados por Michael B. Jordan. Smoke é o mais centrado: um estrategista dos negócios, sempre atento às consequências e protetor em relação ao irmão. Stack, por outro lado, é impulsivo, movido por adrenalina e instinto, vivendo sempre no limite. Juntos, eles se envolvem com gangues nas ruas de Chicago e acabam trabalhando para ninguém menos que Al Capone.

Mais tarde, os irmãos deixam o norte e retornam ao sul do Mississippi — um dos estados mais marcados pelo racismo da época. Levam consigo uma fortuna e um propósito: abrir uma casa de shows voltada para o público negro, um refúgio de celebração e liberdade em meio ao preconceito e à violência. Mas "Pecadores" vai além do drama criminal. Em paralelo, o filme mergulha no universo sombrio dos vampiros, misturando crime, crítica social e elementos sobrenaturais numa narrativa ousada e envolvente.

O filme retrata com maestria a alma do Blues — não apenas como gênero musical, mas como expressão visceral da dor, da luta e da resistência de um povo historicamente marginalizado. Cada nota arrastada, cada lamento cantado, carrega o peso de gerações que transformaram sofrimento em arte e invisibilidade em potência sonora. A casa de shows que os irmãos Smoke e Stack constroem no coração pulsante do Mississippi vai muito além de um simples empreendimento comercial — ela é um refúgio, um templo de criação, um santuário onde a ancestralidade encontra eco e onde o presente se reconcilia com o passado.

É nesse espaço carregado de suor, de fé e de promessas que os artistas negros finalmente encontram não só voz, mas pertencimento. No palco iluminado por holofotes precários, mas cheios de significado, o Blues deixa de ser apenas música e se torna linguagem de libertação, ponte para o sagrado, grito coletivo. E é ali, entre solos improvisados que parecem rasgar a alma, olhares suados que dizem mais que palavras e multidões em transe que se entregam à vibração de cada acorde, que o filme encontra seu verdadeiro coração — um coração que bate no ritmo ancestral do tambor, pulsando resistência, memória e esperança.

Os vampiros, aqui, não brilham com o glamour estereotipado das criaturas imortais que encantam os cinemas contemporâneos. Eles são, na verdade, parasitas sociais, cujas presenças corporificam as sombras de uma exploração histórica profunda, uma exploração que se arrasta como um pesadelo não resolvido, consumindo corpos, vidas e memórias com uma fome insaciável. Esses vampiros não são apenas predadores de carne, mas de tudo o que define a dignidade humana, personificando a dor e o sofrimento de um povo marcado pelo colonialismo, pela escravidão e pela opressão.

Eles são os fantasmas da escravidão, cujos ecos continuam a assombrar as estruturas sociais e as relações humanas. São os sussurros de medo que se perpetuam nas noites insones, e as figuras insidiosas que habitam as periferias da história, impelindo pactos de silêncio entre os opressores que preferem que a verdade permaneça enterrada. A obra, ao se debruçar sobre esses seres, revela significados multifacetados e complexos que só se tornam mais intensos e reveladores quando se considera o impacto da raça, da posição social e da ancestralidade. Ela nos convida a olhar além da superfície do mito e a compreender como esses vampiros, como metáforas de sistemas de dominação, estão entrelaçados com a construção das hierarquias sociais e raciais, deixando uma marca indelével que atravessa o tempo, as gerações e os corpos.

Pecadores é um filme que vai além do simples entretenimento, mergulhando nas complexas questões de identidade, resistência e na luta contra as forças históricas que moldam as vidas de seus personagens. Ryan Coogler nos entrega uma obra profunda e multifacetada, onde a violência do passado se entrelaça com a busca por um futuro mais digno. A narrativa não apenas explora a relação dos irmãos gêmeos Smoke e Stack com o crime e a cultura do Blues, mas também traça uma linha direta entre as feridas do passado e o presente, com os vampiros servindo como uma representação perturbadora dos fantasmas da escravidão e do racismo sistêmico.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Bolero: A Melodia Eterna - A música silenciosa que desnuda a alma

Bolero : A Melodia Eterna | Mares Filmes

Com direção de Anne Fontaine, que divide o roteiro com Claire Barré, Bolero: A Melodia Eterna nos apresenta à vida do músico Maurice Ravel e sua obstinada trajetória em busca do sucesso. Com uma montagem não linear — presente desde a primeira sequência —, somos levados ao universo de um protagonista que parece habitar um mundo particular e que, mesmo diante das adversidades e frustrações, tem sempre a música como grande alicerce. Uma das cenas iniciais ilustra bem isso: após ser rejeitado no conservatório de música, Ravel cai da janela do prédio, levado pelo encantamento da melodia que ecoava no pátio.

O desenvolvimento do filme, porém, sofre com o ritmo apressado e uma certa confusão causada pela montagem fragmentada. Apesar dos marcadores de tempo, algumas fases da vida do músico parecem apenas tocadas superficialmente, o que torna a introdução enfadonha e de difícil assimilação. Por outro lado, o roteiro acerta ao construir uma sensação de intimidade e descoberta gradual. Vamos acessando, pouco a pouco, as camadas mais profundas da personalidade de Ravel, sem a necessidade de diálogos prolixos ou exposição excessiva. O longa aposta nos flashbacks como estratégia narrativa, mas a forma como esses elementos são inseridos pode causar estranhamento à primeira vista.

À medida que o filme avança, vamos compreendendo melhor os dilemas e enigmas que movem Maurice Ravel. Ainda assim, a narrativa só parece realmente engrenar quase na metade do segundo ato, quando ele é convidado a compor para um balé — nascendo ali aquela que viria a ser sua grande obra-prima.

No aspecto técnico, a fotografia de Christophe Beaucarne é um dos pontos altos: ora se concentra em planos-detalhe que evidenciam elementos simbólicos do cenário, criando uma sensação de intimidade, ora abre-se em grandes planos que ampliam a solidão do protagonista e destacam a imponência das cenas. A montagem, assinada por Thibaut Damade, aposta numa métrica que dialoga com a trilha e dá ritmo à narrativa — especialmente nas sequências em que sons e músicas se repetem como tema. Já a trilha sonora de Bruno Coulais é marcante, e traz impacto a cada vez que emerge.

Em suma, Bolero: A Melodia Eterna, como indica seu título, é um filme biográfico de uma música — e não necessariamente de um artista. O foco está, majoritariamente, no processo de composição do Bolero. Claro que, ao longo do caminho, a vida de Ravel ganha contornos e detalhes, mas não se trata de uma biografia completa. Apesar do primeiro ato arrastado, o longa consegue reconquistar o espectador no segundo ato e, a partir daí, só cresce. Quanto às atuações, Raphaël Personnaz se esforça para dar vida a Ravel, mas o roteiro insiste em moldá-lo de maneira tão soturna e introspectiva que, por vezes, seu brilho como ator passa despercebido.

Bolero: A Melodia Eterna, não é inovador e é evidente à semelhança com seu colega de streaming, O Maestro (2023) , mas faz bem o básico feijão com arroz. Pode agradar ao espectador que tiver paciência para acompanhar sua cadência.

        Autor:

Mateus José é graduando de Licenciatura em Cinema e Audiovisual pela UFF, escritor, poeta, montador e aspirante a diretor de fotografia. Apaixonado pelas artes, literatura, música e principalmente o cinema, dedica-se a consumir, estudar e dissecar as camadas mais profundas do cinema e da arte.

Um Filme Minecraft - Blocos, Risos e Personagens Que Precisam de um Pouco Mais de Construção

Minecraft | Warner Bros. Pictures

Um portal misterioso puxa quatro desajustados para o mundo superior, uma terra maravilhosa bizarra e cúbica que prospera na imaginação. Para voltar para casa, eles terão que dominar o terreno enquanto embarcam em uma jornada mágica com um artesão inesperado chamado Steve.

Adaptar um jogo de videogame para o cinema ou a televisão não é algo recente. Desde as décadas de 80 e 90, já surgiam essas tentativas, embora muitas delas não tenham sido bem-sucedidas. No entanto, nos últimos anos, vimos adaptações de sucesso, assim como outras que não atingiram o mesmo nível de aprovação. Existem diferentes abordagens para fazer essa transição: em vez de adaptar um jogo específico, é possível criar uma história nova utilizando o universo e os personagens do jogo, como foi feito nos filmes do Sonic e do Mario, que acabaram dando certo. Essa abordagem pode ser considerada canônica dentro do universo original, como aconteceu com a série de Fallout. Outra opção é seguir uma adaptação mais fiel, como na série The Last of Us, que, embora tenha mantido muitos elementos do jogo, acrescentaram novos detalhes.

Minecraft é um jogo eletrônico dos gêneros sandbox e sobrevivência, que oferece aos jogadores total liberdade para explorar e jogar sem objetivos fixos. O mundo do jogo é composto por blocos tridimensionais que representam materiais como pedra, água e lava, e os jogadores podem extrair e reposicionar esses blocos para construir e criar estruturas. O sistema de física do jogo é considerado irrealista, especialmente no comportamento dos líquidos. O mundo de Minecraft é praticamente infinito e gerado proceduralmente enquanto os jogadores o exploram. Embora existam limites para o movimento vertical, o jogo permite a criação de vastos mundos no plano horizontal. No filme, são apresentados tanto o mundo real quanto o mundo de Minecraft.

O protagonista, Steve, que no jogo é uma figura do universo pixelado, é retratado como uma pessoa do nosso mundo que acaba sendo transportada para esse mundo de blocos, onde assume o papel de guia para outros personagens que chegam ali. Além dele, o enredo também apresenta Garrett Garrison, um ex-campeão de videogame que alcançou o sucesso muito cedo, mas, com o tempo, não conseguiu recuperá-lo, o que resultou em um ego inflado e uma busca incessante por validação. A história inclui ainda Henry, um jovem criativo e inteligente, sua irmã mais velha, Natalie, que se tornou responsável por ele, e Dawn, uma mulher que apoia Natalie e desempenha vários empregos, incluindo o de veterinária.

A dinâmica entre Steve e Garrett é interessante e rende bons momentos cômicos. A arrogância de Garrett, por exemplo, contrasta de forma divertida com a abordagem mais prática e simples de Steve. Um exemplo disso é a cena em que Steve ensina Garrett a cozinhar no mundo de blocos. Steve prepara uma galinha cozida usando lava, mas, como era de se esperar, a comida fica extremamente quente, o que dificulta para Steve comer. Garrett, por outro lado, consegue comer, mas não por muito tempo, criando uma situação hilária em que a resistência de Garrett é posta à prova. Esse tipo de interação entre os dois traz leveza e humor à narrativa.

Natalie e Henry vivenciam a clássica subtrama entre irmãos: ambos são órfãos, e a irmã mais velha se vê forçada a assumir a responsabilidade de cuidar do irmão mais novo. Natalie, em sua tentativa de se ajustar à nova cidade, busca um emprego, enquanto Henry, tentando se enturmar na escola, acaba se metendo em uma grande confusão. Embora essa dinâmica de irmãos enfrentando dificuldades seja algo familiar e até comovente, a forma como é abordada cai em clichês, como a figura da irmã responsável e o irmão que acaba arrumando alguma encrenca.

Dawn não possui uma subtrama propriamente desenvolvida na história. Seu personagem é introduzido de forma superficial, com a informação de que ela desempenha diversos empregos, mas isso é tudo o que é revelado sobre ela. Não há exploração de suas motivações, desafios pessoais ou qualquer contexto que justifique suas escolhas ou ações. Isso a torna um tanto unidimensional, limitando seu impacto na trama. Para tornar a personagem mais interessante, seria necessário um maior aprofundamento, seja no aspecto emocional, nas relações com outros personagens, ou nas razões que a levam a assumir tantos empregos, além de uma contextualização mais rica sobre sua vida fora desse papel de apoio.

Outro ponto que me incomodou no filme foi o tratamento das personagens femininas. Em determinado momento, os personagens masculinos se separam das personagens femininas, e enquanto os rapazes estão envolvidos em grandes aventuras, as mulheres simplesmente encontram um lobo, que é o animal de estimação do Steve, e passam o tempo todo procurando por ele. Esse papel secundário e sem maiores desafios para as personagens femininas parece subaproveitar seu potencial e limita a profundidade de suas participações na trama.

Em relação ao CGI, ficou bem feito. No trailer, pode causar um certo estranhamento, mas, ao se acostumar com o universo de formato quadrado proposto, é possível apreciar o visual sem maiores dificuldades. Até mesmo o aldeão do filme, que inicialmente pode parecer fora de lugar, acaba se encaixando bem nesse estilo.

Um Filme Minecraft apresenta uma proposta interessante ao tentar transitar do universo dos jogos para o cinema, explorando a ideia de um mundo cúbico gerado de maneira procedural. No entanto, as subtramas e o desenvolvimento dos personagens não atendem plenamente às expectativas. Embora a obra tenha um grande potencial, falta-lhe profundidade nas relações interpessoais e nos próprios personagens. Ainda assim, é capaz de entregar uma experiência bastante divertida.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Desconhecidos – Um estudo do Slasher

 

Desconhecidos | Magenta Light Studios

               Quando fazemos análise de filmes temos que levar em consideração que o roteiro conta a história, mas a direção decide de que maneira essa história será contada. O diretor e também escritor do filme JT Mollner ganha crédito ao saber disso, pois se não fosse pelo artifício cinematográfico de apresentar o enredo de forma não-linear – escolha muito incomum no cinema americano-, sua história não teria sabor nenhum, mas é também graças a esse roteiro não espetacular que a ordem de eventos escolhida ganha valor, colocando vários acontecimentos do filme em posição de plot twist, sendo que se contada a história de forma cronológica, não seriam surpresa nenhuma. Ou seja, não é a história em si do filme que agrada ao espectador, mas sim a escolha específica de apresentação dos eventos que o torna interessante e diferente.

               O filme começa com a personagem de Willa Fitzgerald, The Lady, já ferida, sendo perseguida pelo até então antagonista, batizado de The Demon, interpretado por Kyle Gallner. Ambas as performances são adequadas aos papéis e entregam um bom e envolvente trabalho. Porém, por conta da não-linearidade da disposição de eventos, logo descobrimos que tal perseguição se tratava de uma exagerada e vingativa legítima defesa por parte do demônio, pois a Lady era uma serial killer conhecida que não contava com os artifícios de sua mais nova vítima. 

               Após o final do filme, com a história montada na ordem cronológica, o filme acaba por perder força, pois seu único artifício interessante pesa mais na balança para o lado dessa desordem criativa de acontecimentos. A decupagem de planos parece gratuita, o roteiro é extremamente básico tendo talvez um trecho de diálogo com mais de uma dimensão, onde a criminosa admite ter medo de ser presa e morrer mesmo após todas as suas vítimas, e os simbolismos visuais, como o uso da cor vermelho para indicar a ameaça, seja com a luz, filtros ou o uso e remoção de uma peruca como indicativo de troca de posição de lugar de vítima são válidos e criativos, mas quase invisíveis no resumo da ópera.

               Uma curiosidade que vale a pena ser comentada sobre o filme é a inclusão muito à luz do dia de uma opinião não muito comumente retratada em obras atuais e certamente contrária às ondas de discussão social no audiovisual, que seria uma crítica negativa à ideia de sororidade, quando em determinado momento na metragem, a personagem Lady é encontrada pela polícia (interpretados por Madisen Beaty e Steven Michael Quesada) e finge ter sido vítima de estupro para explicar dois de seus assassinatos. A policial feminina prontamente a ajuda a se recuperar enquanto o policial masculino suspeita e obedece a parceira, relutantemente. 

              Ambos acabam mortos pela assassina do thriller mas não sem antes ouvirmos o personagem de Quesada chamar sua colega de profissão de, e eu cito - "vadia estúpida". Fazendo essa cena, somada ao contexto do próprio filme nos fazer pensar que Lady inicialmente é uma vítima, tornar um comentário do tipo "o crime não tem rosto e é necessário tomar cuidado com tudo" parecer mais como "sororidade é estúpido e pode te matar". Certamente uma jogada crítica corajosa, apesar de extremamente retrógrada e reduzida a uma piada.

               Desconhecidos agrada pelo que se vende a ser, um thriller/slasher e garante divertimento no decorrer da obra, mas ao sair da sala de cinema, tende a cair no grande vale do esquecimento, se prestando a ser uma sangrenta viagem só de ida.

              Autor:

Henrique Linhales, licenciado em Cinema pela Universidade da Beira Interior - Covilhã, Portugal. Diretor e Roteirista de 6 curta-metragens com seleções e premiações internacionais. Eterno pesquisador e amante do cinema.

Abá e sua Banda - Entre Músicas, Frutas e Revolução, A Política Nunca Foi Tão Animada!

Abá e sua Banda | Globo Filmes

Abá é um jovem príncipe em conflito com seus sonhos musicais e suas responsabilidades. Após romper com o pai, ele foge para se apresentar no Festival da Primavera ao lado dos amigos e descobre os planos de seu tio para acabar com a diversidade de Pomar.

A animação ensina política para as crianças por meio de uma analogia que compara o reino a uma cidade ou país. Nesse cenário, a população está revoltada com o governante devido às suas ações autoritárias, injustiças ou falhas na administração. A resistência, composta por cidadãos comuns e grupos organizados, busca derrubar esse governante para promover mudanças e garantir mais direitos e liberdade para todos. No entanto, a lição que Abá transmite vai além da simples abordagem de revoltas ou revoluções. 

Ele ensina às crianças que, para que a mudança seja realmente positiva, é necessário compreender as razões por trás da insatisfação. A política não se resume apenas a quem ocupa o poder, mas a como esse poder é exercido e quais valores ele promove. O filme também destaca a importância de cuidar do planeta e respeitar todos os seres vivos ao nosso redor, transmitindo a mensagem de que o meio ambiente é fundamental para nossa sobrevivência e bem-estar. Além disso, enfatiza a necessidade de união para que a sociedade evolua, mostrando que colaboração e solidariedade global são essenciais para resolver os desafios que enfrentamos.

O título Abá e sua Banda sugere que o protagonista faz parte de uma banda musical, indicando que o filme se insere no universo da música. Para os fãs desse gênero, o longa traz referências a bandas, frequentemente acompanhadas de trocadilhos relacionados a frutas. No entanto, como filme musical, ele acaba deixando a desejar ao não apresentar uma melodia marcante, com uma trilha sonora que, infelizmente, se revela bastante esquecível. 

A única música que realmente me agradou foi O Rap dos Rebeldes. Essa faixa é um manifesto dos jovens rebeldes que, por meio das rimas e da batida, expressam suas dificuldades, as injustiças que percebem ao seu redor e seus sonhos de mudança. Toca em temas como liberdade, igualdade e resistência ao sistema — conceitos comuns no rap, mas também apresenta uma abordagem de resistência positiva, que foca no poder da união e da ação coletiva. 

O estilo de rap se torna uma poderosa forma de expressão das angústias e desejos dos personagens. Suas rimas abordam questões como a rebeldia contra normas opressoras, a busca por um mundo melhor e a valorização de uma juventude que se une para transformar a realidade ao seu redor. O Rap dos Rebeldes não é apenas uma música, mas um símbolo do movimento dos protagonistas, que, como membros de uma banda, utilizam a música como forma de protesto e, ao mesmo tempo, como um meio para conscientizar outros jovens sobre o poder da união e da transformação. A canção reforça o tema central da animação: a importância de lutar pelos próprios ideais, mesmo que isso signifique ir contra a corrente.

O estilo visual da animação é amplamente inspirado na arte indígena brasileira. Isso se reflete nas formas geométricas simples, padrões simétricos e o uso de linhas orgânicas e fluidas. As ilustrações de personagens e cenários fazem uso de uma paleta de cores vivas e saturadas, que lembram as tintas e pigmentos naturais usados pelas culturas indígenas para pintar corpos e artefatos. Os traços são muitas vezes arredondados e orgânicos, com algumas representações de personagens que possuem características estilizadas que lembram as pinturas corporais e as esculturas tradicionais das tribos. As formas dos personagens são simplificadas e destacam-se pela estilização, sem perder a essência cultural e simbólica. 

A animação utiliza uma paleta de cores quentes e intensas, dominadas por tons de laranja, vermelho, amarelo e verde, representando tanto o calor tropical do Brasil quanto as cores vibrantes da natureza. A paleta é pensada para evocar a energia da terra e da floresta, com destaque para os cenários naturais, como as florestas tropicais e rios, que são representados com tons de verde e azul em harmonia. A paleta de cores também varia de acordo com as emoções e momentos da história. Durante cenas mais agitadas ou de crescimento, as cores são mais saturadas e intensas. Já em momentos mais introspectivos ou reflexivos, há um uso mais suave de tons pastéis e sombras mais suaves.

Abá e sua Banda é uma animação que aborda temas como política, resistência e preservação ambiental de forma educativa. A obra transmite importantes lições sobre união, transformação social e o cuidado com o meio ambiente, convidando as crianças a refletirem sobre a importância da colaboração e da justiça. Ao entrelaçar esses valores, a animação se estabelece como uma poderosa ferramenta para sensibilizar as novas gerações sobre a responsabilidade coletiva e o impacto das escolhas individuais na construção de um futuro mais justo e sustentável.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Código Preto - Novos Filmes sobre Espionagem são sempre Bem-vindos

Código Preto | Universal Studios

Novos filmes sobre espionagem são sempre bem-vindos. O estilo, que se reinventa a cada obra, não se resume apenas a “007”, “Missão Impossível”, Hitchcock, e afins. Vemos uma gama intensa, atualmente, de longas-metragens que trazem novidades para a categoria que, se não cuidada primorosamente, pode soar piegas. “Código Preto”, de Steven Soderbergh, lançado há pouco tempo, é um dos exemplos de thrillers que mais acrescentam do que reduzem.

George (Michael Fassbender) é um espião casado com Kathryn (Cate Blanchett). Em um matrimônio tranquilo e cheio de carinho, ambos mantém seus próprios segredos, visto que a mulher atua na mesma profissão. Entretanto, quando George se vê diante da tarefa de descobrir um traidor e delator inserido em seu meio de trabalho, Kathryn é uma das principais suspeitas. Não apenas ela; alguém próximo foi responsável por vazar informações importantes destinadas apenas à inteligência. Resta, então, adentrar em um jogo de gato e rato sofisticado, eloquente e até divertido aos olhos dos demais.

Em “Código Preto”, é necessário paciência. Enquanto as camadas dos personagens se desdobram, o espectador é conduzido através de cenas longas, focadas somente nos diálogos afiados e duvidosos, amarradas por uma tensão constante. Junto de Kathryn e George, outros possíveis criminosos são apresentados, como a psicóloga Zoe (Naomie Harris), o companheiro de profissão do casal, James (Regé-Jean Page), e a jovem Clarissa (Marisa Abela). A princípio, ninguém é confiável, e a cautela apresentada nas cenas, a exemplo de uma ambientada no jantar frequentado pelos suspeitos, reverbera o clima de questionamento, procurando instigar cada vez mais o público.

Andando ao lado da atividade de detetive impregnada em George, existe seu casamento com Kathryn. Fassbender e Blanchett, aqui, exibem uma dupla apaixonada tanto por seu parceiro quanto por seus mistérios, não abrindo mão de ares questionáveis inclusive de seu caráter. Os atores, então, hiperdimensionam a personalidade de suas figuras, trazendo ao filme uma profundidade que preza pelo benefício da dúvida a todo momento. Não obstante, os demais personagens nunca demonstram uma única face, o que é sustentado pelo ótimo elenco, aparentemente escolhido a dedo. 

Steven Soderbergh, como já havia provado em seus longas anteriores, detém a capacidade de conduzir de forma classuda, direta e provocativa, histórias que, em tese, parecem simples e clichês. Não é revolucionária a ideia de abordar falhas na inteligência britânica, porém, o corpo que o diretor dá à obra, condensando enigmas que confundem a mente a todo passo dado pelos protagonistas, transforma a experiência de assistir ao filme, inquietante ao passo que é silenciosa. O tom mais quente e estático da fotografia, além disso, combina com a diretiva mensagem de que não se pode confiar em ninguém.

“Código Preto” é capaz de ser tido como uma boa surpresa para o universo dos thrillers de espionagem, dada a boa gerência da produção, que conta ainda com um elenco afiado e comprometido em embolar os pensamentos de quem o vê sem fazer um esforço grandioso. O que o faz monumental, entretanto, é a qualidade da maneira que a trama simples é contada, sendo Cate Blanchett e Michael Fassbender as cerejas do bolo de uma narrativa sedutora e de prender a atenção. Nisso tudo, quem se deleita com um presente, é o espectador. 

Autora:

Laisa Lima 

25 anos, formada em cinema, roteirista, crítica, videomaker e moradora do Rio de Janeiro, minha paixão pelo cinema transcende as telas. 

De “Guarda-Chuvas do Amor” até “Laranja Mecânica”, meu amor pela arte não se prende a nenhum gênero, mas sim ao que me toca. 

Também sou apaixonada pelos pormenores da vida, que se apresentam sem nenhum roteiro. 

Logo, imaginação não falta em mim. 

Sou de tudo um pouco, e procuro sempre expor minha versão mais democrática, que enfrenta a realidade com a maior criatividade possível.

Onda Nova - Sexo, drogas, futebol feminino e quebra de tabu

Onda Nova | Vitrine Filmes

Sinopse: ONDA NOVA, 1983, é uma comédia erótica e anárquica que reúne histórias das jogadoras do Gayvotas Futebol Clube, um time de futebol feminino recém-formado em plena ditadura militar, no ano em que o esporte foi regulamentado no Brasil, depois de ter sido banido por 40 anos. Com o apoio de renomados jogadores da época como Casagrande, Pitta e Wladimir, elas enfrentam os preconceitos de uma sociedade conservadora. Paralelamente, lidam com seus problemas pessoais e familiares, e se preparam para um simbólico jogo internacional contra a seleção italiana.

Após sua primeira exibição na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em 1983, Onda Nova foi censurado pela ditadura militar, por ser considerado “subversivo e amoral”. Dessa forma, estreou apenas quarenta e dois anos depois de sua produção, o que diz muito sobre o passado e o presente. Em uma época de ascensão da extrema direita, temas como os retratados no filme correm o risco de serem suprimidos novamente.  

Sob direção de José Antonio Garcia e Ícaro Martins, o elenco conta com nomes como Wladimir Rodrigues dos Santos, Walter Casagrande e Olívio Pitta, ícones da Democracia Corintiana, além do narrador Osmar Santos e de Caetano Veloso, figura fundamental na oposição à ditadura, especialmente no meio musical.  

Nesse contexto, somos apresentados ao Gayvotas Futebol Clube, um time fictício de futebol feminino carioca, treinado por Casagrande. Gradualmente, o filme nos introduz aos personagens, suas vidas e dilemas. Se, por um lado, o simples fato de retratar o futebol feminino já era considerado problemático e transgressor para a época, o longa vai além ao abordar temas como sexualidade, consumo de drogas, aborto e não monogamia, tudo de maneira explícita e sem pudores. O próprio nome do time, “Gayvotas”, já carrega uma sátira por si só.  

Há quem diga que as cenas de sexo em Onda Nova são excessivas e despropositadas, mas é essencial considerar o contexto em que o filme foi realizado e sua ressonância até os dias atuais. Em uma sociedade onde a vida era restringida por limites arbitrários e uma moralidade imposta que não tolerava certas pautas, o longa surge com a proposta de romper totalmente com o que era considerado aceitável e resgatar o imaginário de uma juventude liberal, que desafia os pais e tem sua própria maneira de enxergar o mundo.  

Entre as discussões levantadas pelo roteiro, uma das mais presentes é o espaço que as mulheres ocupam. Um dos melhores exemplos disso é a personagem Lilli (Cristina Mutarelli), goleira do Gayvotas, que corta o cabelo curto, beija meninas e tem diversos atritos com sua mãe (Patrício Bisso), interpretada por um ator de traços grosseiramente masculinos. Essa escolha reforça um contraponto, promovendo uma “inversão de papéis” e desmistificando os rótulos sociais.  

Nos aspectos técnicos, o longa se destaca pela direção de fotografia excepcional, que capta belos planos da vida urbana noturna do Rio de Janeiro, além de criativas passagens oníricas que, ora comunicam uma mensagem objetiva, ora apenas “viajam”. Em linhas gerais, Onda Nova não é um filme que agradará a todos os públicos, mas levanta debates importantes e contemporâneos de maneira engenhosa e ousada, além de oferecer uma experiência desafiadora e provocativa para aqueles dispostos a abrir a mente para sua proposta.  

                                                              Autor:

Mateus José é graduando de Licenciatura em Cinema e Audiovisual pela UFF, escritor, poeta, montador e aspirante a diretor de fotografia. Apaixonado pelas artes, literatura, música e principalmente o cinema, dedica-se a consumir, estudar e dissecar as camadas mais profundas do cinema e da arte.

Milton Bituca Nascimento - Um Tributo Em Vida ao Grande Músico Brasileiro

 

Milton Bituca Nascimento | Gullane Filmes

O documentário do grande cantor e compositor brasileiro, Milton Bituca Nascimento, homenageia o astro ainda em vida e mostra como sua música atravessou fronteiras e conquistou milhares de fãs ao redor do mundo. Seus versos líricos e ritmos inconfundíveis foram inspiração para diversos cantores, inclusive no âmbito do jazz, onde o músico tem fortes raízes e influenciou uma geração de instrumentistas que se admiraram com suas músicas e arranjos excepcionais.

No último dia 2 de fevereiro, Milton passou por uma grande polêmica na 67ª edição do Grammy. O cantor estava indicado na categoria de Melhor Álbum de Jazz com Vocal, em parceria com a cantora americana Esperanza Spalding. Entretanto, Milton não teve um lugar reservado no salão principal ao lado de Esperanza na cerimônia em Los Angeles. Isso repercutiu mundialmente e muitos se perguntaram como um cantor desse calibre e um ícone da música brasileira teve um assento negado ao lado de Esperanza, que apareceu com um cartaz com a foto de Milton em protesto, escrito: "Esta lenda viva deveria estar sentada aqui."

Esperanza também é uma das convidadas que aparece no documentário reverenciando o grande Bituca. Ao lado dela, vários expoentes da música brasileira também surgem, como: Chico Buarque, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Djavan, entre outros. Narrado pela incrível Fernanda Montenegro, o filme reflete o impacto que Milton causou em vários artistas e seus fãs ao longo de sua carreira. Se no Grammy o cantor foi completamente esnobado, aqui ele brilha e tem sua voz escutada, além de suas músicas totalmente contempladas.

Todavia, o documentário tropeça em alguns momentos, como, por exemplo, no saudosismo exacerbado sobre a figura de Bituca. É fato que o cantor é um dos maiores compositores e multi-instrumentistas do país, mas quando se tem tantas reverências e elogios em torno da figura do cantor mineiro, acaba-se saturando esse ponto de vista e transparecendo uma competição de quem o homenageia da melhor forma.

O documentário não se preocupa em mostrar as dificuldades que Milton enfrentou em sua carreira, suas decepções, seus álbuns que não tiveram grande repercussão. Em uma obra como essa, é importante sabermos não apenas seus pontos altos, mas também seus baixos. Isso, de certa forma, acaba humanizando mais ainda o artista.

Além disso, a narração de Fernanda Montenegro se torna um tanto problemática em certos trechos. A extensão de seu discurso acaba se alongando e tornando-se cansativa. Em um instante, ela narra enquanto um dos convidados está conversando com Milton Nascimento, e não entendemos o que eles estão de fato dizendo. A edição não se atentou a esse problema e acabou se enrolando nessa questão.

O filme também se limita a demonstrar tantos cantores norte-americanos citando a inspiração que Milton trouxe para suas carreiras. Acredito que esses registros foram coletados durante a turnê mundial que Bituca realizou quando passou pelos Estados Unidos. Entretanto, Milton Nascimento foi referência musical para muito além de outros países, não apenas nos Estados Unidos. Ainda assim, é interessante perceber como seu repertório no estilo jazz contribuiu tanto para o cenário musical da região.

O ícone da música popular brasileira tem seu devido tributo representado neste documentário. Apesar de a película não destacar outros momentos da carreira do cantor e apontar outros lados que também são pertinentes para entendermos a trajetória de Milton, como suas inspirações, sua busca por reconhecimento, a escolha de gravadoras. O filme, contudo, cumpre seu papel em retratar a grandeza de suas músicas e o afeto de tantos amigos e familiares que foram tocados por sua arte ao longo de gerações. Uma pena para o Grammy, que não soube reconhecer esse artista legendário.

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Meu chamo Leonardo Veloso, sou formado em Administração, mas tenho paixão pelo cinema, a música e o audiovisual. Amante de filmes coming-of-age e distopias. Nas horas vagas sou tecladista. Me dedico à exploração de novas formas de expressão artística. Espero um dia transformar essa paixão em carreira, sempre buscando me aperfeiçoar em diferentes campos criativos.