Luiz Melodia: No Coração do Brasil – Uma Ode à Música Popular Brasileira

Luiz Melodia: No Coração do Brasil | Embaúba Filmes

“É bom se soltar…Enquanto existe música em cada um, existe liberdade”

E é assim que se inicia o documentário de um dos maiores expoentes da música popular brasileira: Luiz Melodia, durante um de seus shows pedindo para que as pessoas se movimentem, dancem e cantem, por que era assim que ele gostava de sentir sua plateia, totalmente imersa em sua arte.

O documentário, bastante iconográfico e narrado por Luis durante entrevistas gravadas ao longo de sua carreira, mostra a origem do cantor carioca desde seus primeiros trabalhos até chegar ao estrelato máximo e ser reconhecido por milhões de brasileiros. Logo no primeiro ato, é possivel perceber como cantoras de grande escalão que já eram reconhecidas nos anos 70, ajudaram Luiz a catapultar o seu talento que só precisava de empurrãozinho para ser revelado como um dos maiores cantores e compositores do país.

Seu primeiro LP, Peróla Negra, lançado em 1973 teve bastante repercussão e sucesso de vendas, até porque já vinha com o título de um grande sucesso seu também gravado pela irreverente amiga, Gal Costa. Além de Gal, Maria Bethânia também foi outra artista a ter uma de suas músicas gravada, a famosa “Estácio, Holly Estácio”. Canção essa, que já tinha o puro DNA do multi-instrumentista Luiz Melodia, afinal, o bairro de Estácio, no morro do Rio de Janeiro, foi onde o músico nasceu.

Por mais que Luiz viesse de grandes raízes sambistas, até por seu pai, Oswald Melodia, já ser reconhecido no eixo carioca como um grande músico do gênero e foi até do mesmo que Luiz herdou seu nome artístico. Ele não queria apenas tocar samba, o cantor era contra se prender em um gênero. Isso demonstra como ele tinha uma pluralidade musical e contrariava os estereótipos (como ele mesmo cita) de que o negro tem que descer do morro e tocar apenas samba.

Ao longo de sua carreira, Luiz, tocou diversos estilos musicais como rock, blues e soul. O que acabou deixando várias gravadoras insatisfeitas e recusando trabalhos do cantor para gravar. Mas Luis deixa claro em seu documentário que era uma pessoa sempre seguia sua intuição e não deixava ser moldado por tendências. Ele era um cantor que acreditava no seu potencial e tinha autoconfiança na diversidade musical que podia entregar em seus versos.

O documentário é bastante respeitoso com o cantor que nos deixou a quase uma década. Isso se deve muito também à diretora musical e que também assina o roteiro do filme, Patrícia Columbo, a mesma foi grande amiga de Melodia. É incrível como também, a equipe de produção conseguiu captar tantas reportagens, matérias e entrevistas do músico e editaram em apenas ele como narrador. Isso reproduz uma autenticidade e segurança enorme pro longa, pois temos a certeza que nada está moldado ali. São gravações e imagens reais que transmitem toda a natureza e personalidade desse grande ícone brasileiro.

Luiz Carlos dos Santos, foi um homem simples do morro carioca e que mesmo com a sua fama, nunca esqueceu de onde veio e dos seus amigos. Era um cantor que sempre respeitava seu coração e seu tempo. Mesmo demorando anos para entregar novos discos, ele sabia que valeria a pena no final e estaria em paz consigo mesmo. Afinal, um artista precisa de seus instantes, sejam eles curtos ou longos para compor aquilo que se sente mais confortável. Sem falar, na grande legião fãs e apreciadores das suas músicas que ele sabia que sempre poderia contar.

Um longa que faz uma grande homenagem ao “poeta da Estácio”. Uma grande homenagem à MPB.

Autor:

Meu chamo Leonardo Veloso, sou formado em Administração, mas tenho paixão pelo cinema, a música e o audiovisual. Amante de filmes coming-of-age e distopias. Nas horas vagas sou tecladista. Me dedico à exploração de novas formas de expressão artística. Espero um dia transformar essa paixão em carreira, sempre buscando me aperfeiçoar em diferentes campos criativos.

Corpo Presente – Expressão e Liberdade dos mais Subjetivos Corpos

Corpo Presente | Embaúba Filmes

O cineasta veterano Leonardo Barcelos, resolveu embarcar, desta vez, na direção de outro documentário bastante experimental. O produtor apresenta “Corpo Presente”, filme com um tom bastante conceitual, que dialoga com as questões e pluralidades que nossos corpos podem representar na sociedade. Narrado e protagonizado pela atriz Ludmilla Ramalho, mas também com narrações de depoimentos citados em paralelo por alguns expoentes sociais brasileiros como Suely Rolnik, Ailton Krenak e Erika Hilton. O documentário é dividido em cinco atos, são eles: a pele, o outro, a natureza, as marcas e a expansão. E é a partir de cada um deles que destrincharei esse texto.

Ato 1 – A pele

“Busco saídas pra não ser devorada no meio da cartografia que desenho”, Ludmilla comenta. Nesse primeiro momento é possível perceber que a narradora expõe sobre as problemáticas das cobranças que a sociedade impõe aos nossos corpos, principalmente no que tange o feminino. Em um uma determinada cena, há uma personagem inteiramente coberta com uma espécie de algodão enquanto outro personagem vai retaliando e moldando a forma desta camada branca. Isso nos traz para um lugar onde analisamos sobre como temos sempre padrões de beleza inalcancáveis e muitas vezes tentamos nos moldar para chegar nesses parâmetros. Nossa matéria física é constantemente inferida e julgada; nossos aspectos são reduzidos, quando, na verdade, simplesmente refletem a singularidade e a diversidade de quem somos como pessoa.

Ato 2 – O outro

“É só através do outro que posso existir? Estou preso nessa imagem que fazem de mim e eles também? O mesmo processo.”

Nesse ponto a personagem se questiona como os outros são muitas vezes nossos espelhos e nos identificamos a partir de outros corpos. No início do documentário, há um plano de uma cena bem dirigida fotograficamente com um espelho numa praia de costas para o mar, como se nós, espectadores, estivéssemos nos olhando nesse objeto. Entretanto, não há reflexo de ninguém, apenas das ondas no mar desaguando na baía. Essas alegorias tanto do espelho quanto do mar interrelacionam com os reflexos que temos como ser humano e como o mar representa as infinitas possibilidades que podemos nos enxergar de si mesmo, mas também no outro. A busca pela nossa identidade é contínua, seja nos modos de nos expressarmos, como no modo de agir,vestir, andar, falar, gesticular, etc.

Nossos comportamentos e influências, muitas vezes, são pautados pelo outro, mas até onde vai esses limites de comparação? É possível sermos nós mesmos sem estarmos o tempo todo nos olhando a partir da percepção do “outro”? Sendo que provavelmente o “outro” também pode estar seguindo o mesmo padrão. São questões que precisamos repensar como indivíduos e discernir até que ponto devemos nos deixar ser enxergados por outras pessoas e por opiniões que não nos cabem, nosso corpo é apenas uma estrutura física de quem somos. Nossos pensamentos, ideias e personalidades também fazem parte do nosso corpo, é preciso levar em conta esses fatores e não nos limitarmos em relação ao interlocutor.

Ato 3 – A natureza

“A mulher é a matéria, o homem é o verbo. O homem é uma ideia e a mulher um barro que deve ser moldada”

Neste ato, a protagonista discute sobre a visão da mulher em relação ao homem, abordando sobre o viés machista e misógino que a sociedade vive. O homem, na maioria das vezes, é visto como símbolo de liderança e porta-voz, enquanto a mulher uma agente condescendente que deve seguir as regras e os comportamentos ditados por ele. Isso pode ser comprovado em diversos aspectos sociais, exemplo disso, é a questão que ocorreu recentemente no  novembro passado, na Câmara de Brasília, onde vários deputados, na maioria homens, votaram a favor da PEC 164 na  Comissão de Constituição e Justiça (CCJ), com 35 votos favoráveis contra 15 opositores, essa PEC em questão pode acabar com os direitos das mulheres de interromperem gravidezes em caso de estupro, anencefalia fetal e risco de morte da gestante, lei essa que já é outorgada no 5º parágrafo da Constituição Federal. Ou seja, são direitos de corpos femininos que podem ser violados por opiniões ideológicas masculinas na esfera política.

Isso reflete em vários outros campos da sociedade, onde a mulher é inferiorizada ou questionada pelos seus atributos apenas por ser quem é, sem contar a grande taxa de feminicídio que o Brasil tem anualmente. Enquanto os políticos em atividade poderiam estar trabalhando em programas de combate à violência contra mulher que acontece em varias camadas sociais, muitos estão simplesmente debatendo sobre a redução dos direitos das mesmas.

Ato 4 – Marcas

“O corpo feminino tem essa história de violência, de Aia […] O corpo fala e expõe conflitos, se dividem em ideologias e preconceitos. Lembrar do corpo afro indígena que tem no Brasil. É preciso lembrar da ancestralidade”.

A partir deste trecho é destacado sobre os corpos que sofreram violência no passado, principalmente em peles indígenas e africanas femininas. Durante esse ato, o documentário nos mostra cenas de corpos negros e de variados pesos. As mulheres, desde os tempos de colonização eram sujeitas a várias barbáries, inclusive o estupro. Elas sempre foram vistas como um corpo apenas de reprodução ou prazer carnal. Até os tempos atuais, é possível perceber essa herança ancestral de preconceito, e analisar como muitas vezes os corpos femininos são objetificados e violados. 

Etnias indígenas, quilombolas e outros grupos de raça negra têm um histórico de exploração muito forte no país, o que acabou perpetuando em várias gerações posteriormente. Além disso, os corpos negros são os que mais sofrem repressão atualmente. Corpos negros femininos são muitas vezes sexualizados e estereotipados pela população e precisamos como cidadãos desmitificar esses estigmas e reconhecer essa violência propagada por nossos antepassados e promover discussões que viabilize essas histórias, para que, de alguma maneira, tenhamos mais consciência sobre a realidade que um corpo negro vive e já viveu no país. Não podemos ter memória curta.

Ato 5 – A expansão

“Não há limites para o corpo. Ser arquiteto da sua identidade. A construção do gênero é binária, uma cultura antiga. Cada um pode estar no lugar onde quer. Transfobia. Esses corpos são invisíveis. A sociedade precisa enxergar o lado deles. Dessa humanidade.”

A narradora expõe aqui sobre a expansão dos corpos tradicionais, sobre a ilimitada possibilidade que os corpos podem ser. Discute sobre como a sociedade desde os primórdios, implementou essa cultura da binariedade e ao mesmo invisibilizou corpos não binários. É o caso do preconceito com todos os grupos LGBTQIA+. Esses corpos sentem na pele todo tipo de discriminação infringido sobre eles, em um instante do documentário é mostrado um caso de violência que aconteceu com um corpo trans na vida real, registrado em vídeo, e não aparecia ninguém prestando assistência; é uma impunidade constante. São indivíduos que possuem inúmeras dificuldades para se inserirem na sociedade e que lutam para ter o mínimo de respeito. Ao longo desse ato, é possível ouvir em um trecho da deputada federal, Erika Hilton, que é travesti e, está sendo porta-voz em um discurso que parece ser em uma tribuna, reafirmando e conscientizando sobre a justiça e liberdade desses corpos trans.

Mesmo com tanta informação, dados científicos, pesquisas, etc., ainda é possível visualizar o quanto a população está longe de legitimar esses corpos. Exemplo disso, são as pesquisas de taxas que revelam que o Brasil é um dos países que mais matam pessoas trans no mundo. É uma luta constante que esses grupos enfrentam para serem reconhecidos e validados.

Acredito que o documentário poderia esclarecer melhor as identidades das personalidades que possuem citações, as quais são ouvidas em paralelo. Não é mostrada nenhuma imagem desses ícones, tampouco legendas para o espectador. Nem todo mundo tem consciência de quem são esses expoentes, como Suely Rolnik que é uma grande escritora e psicanalista, Ailton Krenak, um indígena e ambientalista dos mais respeitados do país, e claro, Erika Hilton, uma política muito eloquente que luta pelos direitos humanos na Câmara dos Deputados. Não há como reconhecer todos apenas por suas vozes. Creio que faltou um didatismo nesse tópico, pois temos interesse em saber quem está falando para podermos associar com a causa.

Em questão da narrativa, em alguns momentos, achei cansativa. Poderia ter um ritmo mais fluído na edição dos atos. A fotografia é muito bem trabalhada. Sobre as representações dos corpos nus, achei muito potente essa liberdade que o documentário buscou e mostra de forma crua e artística a diversidade de todas nossas matérias físicas.

Autor:

Meu chamo Leonardo Veloso, sou formado em Administração, mas tenho paixão pelo cinema, a música e o audiovisual. Amante de filmes coming-of-age e distopias. Nas horas vagas sou tecladista. Me dedico à exploração de novas formas de expressão artística. Espero um dia transformar essa paixão em carreira, sempre buscando me aperfeiçoar em diferentes campos criativos.

O Dia da Posse - Política e Imagem

O Dia da Posse | Embaúba Filmes

A trajetória de Brendo, que aspira à presidência do Brasil, revela uma juventude marcada pela ambição superficial e pela adaptação às dinâmicas das redes sociais. Enquanto estuda Direito e produz conteúdos para plataformas digitais, ele se projeta em um futuro de conquistas, refletindo não apenas um desejo de notoriedade, mas também a influência nociva de uma cultura de celebridade que prioriza a imagem em detrimento da substância. Essa idealização de liderança, exacerbada durante a pandemia por meio do entretenimento massivo, levanta questões inquietantes sobre a superficialidade dos valores que moldam os líderes da nova geração e sobre a capacidade real desses indivíduos de enfrentar os complexos desafios do país.

O documentário se desenvolve no contexto da pandemia da COVID-19, especificamente em 2020, quando a população foi forçada a permanecer em quarentena. Nele, são articuladas críticas contundentes ao presidente Jair Bolsonaro, destacando seu manejo das vacinas e o impacto prejudicial de suas decisões sobre a saúde pública. Essa análise levanta questões sobre a responsabilidade dos líderes políticos em momentos de crise. É provável que grupos com ideologias nacionalistas extremas não apenas discordem, mas também considerem as perspectivas apresentadas na obra como uma afronta, evidenciando a polarização crescente no debate político e social. Essa reação revela a dificuldade de engajamento com críticas fundamentadas, muitas vezes substituídas por uma defesa acrítica de narrativas que priorizam a ideologia em detrimento da verdade factual.

Embora se trate de um documentário, a obra evoca a estética de um filme do gênero slice of life, retratando personagens em atividades cotidianas, mesmo durante o isolamento. Cenas de exercícios na sala, cozinhar e conversas por vídeo oferecem uma visão íntima e realista da vida durante a pandemia. Essa abordagem destaca a resiliência e a adaptação das pessoas frente às dificuldades, mostrando como pequenos momentos do dia a dia podem se tornar significativos. Ao capturar essas experiências, o filme celebra a vida em sua forma mais autêntica, revelando a capacidade humana de encontrar conexão e significado, mesmo em tempos desafiadores.

A obra inclui detalhes que evocam a impressão de erros de gravação, exemplificados por Brendo ao tentar se posicionar adequadamente diante da câmera. Sua solicitação ao amigo para evitar gravações muito próximas, acompanhada de momentos de irritação, indica uma busca pela autenticidade em meio à vulnerabilidade da exposição. Essa dinâmica além de contribuir para a humanização do protagonista, funciona como dispositivo narrativo que destaca a desconexão entre imagem pública e a realidade pessoal, sublinhando a pressão que muitos sentem ao se expor em um mundo digital que exige perfeição. A tensão entre o desejo de ser visto de forma autêntica e a necessidade de se conformar a padrões de estética e comportamento estabelecidos pela sociedade cria uma profundidade emocional na narrativa, permitindo que o público se conecte mais intimamente com a experiência do protagonista.

Dia da Posse é uma obra multifacetada que, embora centrada na trajetória de Brendo, oferece uma reflexão profunda sobre a condição humana durante a pandemia. As críticas ao governo daquela época e as nuances da vida cotidiana durante o isolamento enriquecem o discurso, ressaltando a responsabilidade dos líderes e a complexidade das experiências vividas. Ao unir aspectos íntimos e coletivos, a obra não apenas documenta um momento específico, mas também convida o público a considerar as implicações sociais e emocionais de sua realidade.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Termodielétrico – O cientista e a poetisa

 

Termodielétrico | Embaúba Filmes

Filme documental em formato de ensaio audiovisual com uso de imagens de acervo pessoal de Joaquim da Costa Ribeiro, pioneiro da física experimental no Brasil, com foco em sua descoberta do efeito termodielétrico, que dá nome ao filme e se explica como sendo um fenômeno de surgimento de correntes elétricas decorrentes da mudança de estado da matéria.

A diretora Ana Costa Ribeiro é neta do cientista e ressente nunca ter conhecido o avô, transformando a obra em não só relatos de achados do gigantesco acervo da vida de Joaquim da Costa Ribeiro, mas também em uma reflexão íntima e pessoal dessa trajetória e como ela passa a definir aspectos da vida em si. 

Ela constrói o enredo com seus pensamentos, leituras de cartas de sua família, poesias e citações, gradualmente associando filosoficamente o efeito termodielétrico com as mudanças das fases da vida. Em como cada mudança, física ou emocional, gera um traço de energia, uma luz. O dar à luz a um bebê, que no caso de sua avó foram dez, o crescer de uma criança em adulto, até a inevitável morte de uma pessoa, o fracassar em algum objetivo, o reagir de certo modo que nos transforma. Tudo gera uma energia.

O enredo que combina cinema e arte se encontra perfeitamente na linguagem do cinema, que metalinguisticamente tem em sua história uma origem científica, até que se metamorfoseia em arte. É interessante essa abordagem não convencional de contar a vida de um importante físico brasileiro através de pensamentos de sua neta que não chegou a o conhecer. 

Existe uma intimidade nessa forma de direção pois não é estranho a ninguém o sentimento de admirar alguém de nossa família que só conhecemos em base de histórias contadas, fotos e cartas. Conserva-se sempre o melhor que fizemos e que tipo de herança deixamos para nossos familiares, e no caso de Ana Costa Ribeiro, ela divide uma herança deixada por seu avô com o mundo todo, a importância de uma verdade científica descoberta pelo mesmo.

Apesar da interessante abordagem e cativantes personagens dentro da história dessa linhagem, o argumento peca em dar voltas em si mesmo e aposta no seguro dentro de suas escolhas imagéticas, que mesmo com um óbvio domínio da montagem cinematográfica e excelente trilhas sonora e musical, cai em uma mesmice por vezes monótona se afasta da possibilidade de ser um filme para todos, mesmo que o tema central da história seja um tema que diz respeito a todos, família.

Autor:

Henrique Linhales, licenciado em Cinema pela Universidade da Beira Interior - Covilhã, Portugal. Diretor e Roteirista de 6 curta-metragens com seleções e premiações internacionais. Eterno pesquisador e amante do cinema.

Quando Eu Me Encontrar - A Presença da Ausência

Quando eu Me Encontrar | Embaúba Filmes

A partida de Dayane se desenrola na vida daqueles que ela deixou para trás. Sua mãe, Marluce, faz de tudo para não demonstrar o choque que a partida da filha lhe causou. A irmã mais nova de Dayane, Mariana, enfrenta alguns problemas na nova escola onde está estudando. Antônio, noivo de Dayane, se vê num vazio diante da partida dela e busca obsessivamente por respostas.Com base na sinopse, é evidente que o filme se concentra no desaparecimento da personagem Dayane. Enquanto a trama principal a apresenta como um personagem central ausente, o enredo também explora subtramas envolvendo sua irmã, mãe e noivo, oferecendo uma visão abrangente das consequências emocionais desse evento.

Notavelmente, Dayane não aparece no longa-metragem, nem mesmo em flashbacks ou imagens; sua voz é ouvida apenas na cena inicial, o que acentua a sensação de sua ausência. Esta abordagem cria um luto não relacionado à morte, mas à incerteza e ao vazio gerados pela falta de informações sobre o paradeiro de Dayane. A presença ausente de Dayane é constantemente perceptível na vida dos três personagens principais, promovendo uma reflexão profunda sobre o impacto do desaparecimento.

O filme adota o estilo Slice-of-life, conhecido por capturar a vida cotidiana de forma realista, mostrando experiências e emoções dos personagens de maneira íntima, permitindo uma conexão profunda e reflexiva com suas vidas diárias. Não só aproxima o público das experiências dos personagens, mas também destaca a persistência das dificuldades da vida, mesmo diante de uma crise pessoal. A forma como o filme mantém Dayane como uma figura ausente, mas constantemente presente, demonstra uma habilidade narrativa que envolve o espectador emocionalmente com a ausência e suas implicações.

A produção, portanto, não apenas explora a dor do desaparecimento, mas também oferece uma crítica sutil sobre como os indivíduos enfrentam a ausência e a incerteza. Marluce, que trabalha durante o dia em uma lanchonete e vende quitutes à noite, sente-se cada vez mais isolada em seus papéis de mulher, mãe e filha, especialmente após a perda de contato com sua mãe.

Mariana, sua irmã, enfrenta preconceito e exclusão na escola de classe média alta onde estuda. Antônio, vendedor em uma loja de calçados, vê o casamento como uma fuga das dificuldades diárias e guarda com esforço o enxoval em seu pequeno apartamento. O desaparecimento de Dayane provoca uma ruptura ou revela mais claramente as fragilidades em suas vidas.

Quando Eu Me encontrar retrata o luto do desaparecimento, explorando a profunda dor dos personagens, apresentando de forma realista as lutas diárias dos personagens e a persistência das adversidades. Convidando o espectador a refletir  sobre a resiliência humana e a complexidade do luto, oferecendo uma visão íntima e tocante das experiências de perda e superação.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.