Cléo das 5 às 7 - O Reflexo da Angústia.

Cléo das 5 às 7 | Athos Films

 

Aclamadíssimo, sucesso inquestionável de críticas e queridinha hors concours do movimento da Nouvelle Vague, Cléo das 5 às 7, dirigido por Agnès Varda e estrelado por Corinne Marchand, é uma bomba de simbolismo e uma aula de direção e produção cinematográfica, que mais uma vez prova e exemplifica que pode-se fazer muito, com pouco.

O filme conta a história em tempo quase diegético de duas horas na vida de “Cléo”, enquanto ela muito amedrontada aguarda o veredito de um suposto diagnóstico de câncer, buscando consolo e conforto na companhia de seus amigos e alguns desconhecidos, mas também em sua própria imagem.

Cléo é extremamente narcisista, e muito explicitamente revela que se importa mais com sua beleza do que com a sua vida, a ponto de dizer que se a possibilidade do câncer – uma doença que além de muitas vezes fatal, afeta a figura – se dar por verdadeira, se suicidaria. Ela então se concentra em permanecer bela, pois afirma que ser feia é um tipo de morte, sendo esse um comentário de protesto de Agnes sobre a opressão estética que existe no universo feminino, especialmente em Paris da época, onde mulheres, muito mais do que homens passam por uma propaganda cultural que as encoraja a construir uma imagem de beleza e perfeição. Ideia essa que permeia nosso subconsciente também pela aparência geral do filme em si, onde quase não há sombra alguma, tudo é bem iluminado e esmaecido, dando a sensação onírica de perfeição recurso comum no cinema para embelezar personagens ou até cenas inteiras.

Cléo passa o filme inteiro rodeada de reflexos, seja através de diversas formas de espelhos, vidraças intermináveis pelas ruas parisienses e encontra conforto na sua própria imagem, hipnotizada e aficionada por ela, usando esse recurso para se distrair do medo da morte, ou mais especificamente, do medo de ficar feia em resultado da inevitabilidade da morte. Não apenas pela sua imagem de forma literal, Cléo se deixa enganar pela imagem que sua aparência transmite. Em determinado momento do filme ela se monta inteira para receber seu parceiro amoroso, da forma que ela acredita que é a imagem perfeita dela mesma, uma imagem que seria do interesse dele, e se encara uma última vez antes de sua chegada em um espelho de mão, como se a realidade se reduzisse àquele espaço ínfimo, onde nada existe, apenas ela. 

Só para então ser completamente ignorada pelo homem, que faz sua presença no filme parecer quase inexistente e fazendo Cléo se sentir da mesma forma. Se sua beleza já não importava, o que mais ela poderia fazer? Chegam então seus produtores, pois a personagem Cléo é uma cantora musical, e a pedem para cantar uma música nova, tristíssima apesar de muito belamente cantada por Marchand, na qual a letra conta sobre uma mulher que sem seu amor, morreria sozinha e feia, até que Cléo, em um zoom-out extremamente expressivo, se dá conta de que ela não quer ser lembrada assim. Ela então se desmonta e põe sua peruca em cima de um espelho.

Mais tarde no filme, em mais um momento de simbolismo quando Cléo se encontra com uma amiga sua que trabalha como modelo, e é de forma literal um modelo de pessoa para a protagonista, as duas conversam sobre padrões de beleza e se a imagem é algo importante, se não existe um medo de que outras pessoas encontrem imperfeições em seus corpos, e chegam à conclusão que o que realmente importa era se elas mesmas amavam seus corpos. Após esse momento, Cléo deixa cair o espelho que carrega em sua bolsa e ele se parte. Vemos o reflexo da nossa personagem no caco e então ela o abandona, sendo essa a última vez que um espelho aparece no filme. 

Isso permite Cléo a abraçar mais a si mesma, se abrir para novas experiências, conhecer potenciais novos amores e, de repente, o resultado de sua exame passa a não a amedrontar mais tanto assim, pois o que importa não é mais sua aparência ou o que o mundo pensa dela ou vê nela, mas sim quem ela é, e o tempo que lhe resta.

Autor:

Henrique Linhales, licenciado em Cinema pela Universidade da Beira Interior - Covilhã, Portugal. Diretor e Roteirista de 6 curta-metragens com seleções e premiações internacionais. Eterno pesquisador e amante do cinema.

A Substância - Hollywood como uma Ouroboros Etarista

A Substância | Imagem Filmes

 Não é novidade a forma que Hollywood trata de forma desprezível as mulheres no meio audiovisual, principalmente as com mais idade. No caso de "A Substância" não só aborda o tema do etarimo dentro do audiovisual, como o método de cirurgias plásticas como uma forma louca de tentar se rejuvenescer de qualquer jeito, mesmo que custe sua vida. O filme tem um trabalho de edição que lembra bastante o estilo hiphop cut que Darren Aronofsky utiliza no filme "Requiem Para um Sonho" dos anos 2000. Muitos cortes rápidos e em close-ups em cenas envolvendo corpo e comida. Sem contar que a direção utiliza de muitos elementos vindos dos anos 80, remetendo até mesmo o body horror de David Cronenberg. 

É necessário apontar que o filme, mesmo tendo um trabalho técnico muito bom, principalmente no quesito maquiagem, é necessário deixarmos a técnica de lado e prestarmos atenção em sua narrativa e em seu discurso. A obra, mesmo com um discurso necessário para os dias atuais, é um filme que tem não apenas a exposição falada, mas a imagética. Por exemplo: Mesmo o filme sendo dirigido por uma mulher, Coralie Fargeat, o filme trata suas personagens femininas da forma mais hipersexualizada possível. Contendo um exagero no número de closes nas genitálias e as colocando nuas sempre que possível de forma que ao mesmo faz sentido, se torna cansativo, pois a obra se concentra em se provar como uma crítica social. 

O filme consegue ter uma boa utilização na metalinguagem trabalhando com as atrizes Demi Moore(que se encontra hoje com 61 anos e com uma carreira já consolidada como atriz) e a atriz Margaret Qualley(que é um dos novos talentos e rostos bonitos de Hollywood), mostrando a facilidade que Hollywood tem em substituir suas atrizes e seus sex symbols em um estalar de dedos. Sem contar que a atuação das duas conseguem se corresponder com a narrativa e a estética proposta. 

Dennis Quaid faz o papel mais estereotipado de dono de emissora machista e nojento que se pode imaginar, e Dennis parece se divertir bastante com isso ao longo da obra, até por conta do fim do filme ser uma boa resposta para oque ele diz à um sócio sentado ao seu lado na apresentação de fim de ano "-Vocês não vão se decepcionar com ela. Eu construí ela.". 

O fim do filme trabalha de forma completamente diferente de todo o resto da obra, adotando a linguagem de filmes de terror trash, sendo na resolução das personagens, como a violência entregue e o próprio trabalho de maquiagem. Uma mistura interessante de body horror com o trash, indo de "A Mosca" de David Cronenberg, até mesmo um pouco do cômico e louco de "Basket Case" de 1982. 

"A Substância" toma muitos caminhos com a utilização da técnica como principal aliada para o filme aterrorizar e entreter o espectador, mas a crítica expositiva em quase todo o filme e a desmedida do tom proposto do meio para o final da obra tornam o filme uma bagunça com várias problemáticas. Mesmo assim, consegue incomodar e ser louco em alguns momentos certeiros que fazem o filme ficar na sua cabeça por um bom tempo. 

TEXTO DE ADRIANO JABBOUR.