Aos Pedaços - Uma obra do vazio para o vazio

Aos Pedaços | Pandora Filmes

 

Aos Pedaços é um filme protagonizado pelo personagem Eurico Cruz (interpretado pelo ator Emílio de Mello), que sofre de uma paranoia onde sua mulher, Anna, vai a qualquer momento matá-lo. Tudo se complica mais a partir do momento que Eurico começa a ver duas versões de sua mulher, mais um homem que tenta convencê-lo a matar sua mulher antes de sua imaginação virar realidade. O filme é de 2020 e tem a direção de Ruy Guerra. 

Como um grande admirador do cinema de Ruy Guerra, me surpreende o fato de sua direção sempre se manter tão sóbria e contida nessa obra, oque não é algo de costume do diretor que foi responsável por tantas obras durante o Cinema Novo e também após o movimento. Aqui a direção fotográfica é um dos poucos pontos fortes, tendo uma ótima decupagem e uma ótima direção das luzes, oque ofusca o som do filme que é executado de forma bastante precária. Oque é problemático, já que a obra por si só é carregada de diálogos quase a todo tempo. 

O filme em nenhum momento tenta fugir de se mostrar como uma grande referência da obra Persona, de Ingmar Bergman, até mesmo nos movimentos de câmera. Oque não chega a ser algo positivo. Nada contra o diretor sueco, quem vos escreve admira muito seus filmes, mas não aqueles que o tentam copiar. Não crítico ter a inspiração, no mundo da arte inspirações são de extrema necessidade. Mas uma obra brasileira tentando ser um filme sueco sem nenhuma outra inspiração se torna algo vazio.

A narrativa acontece, e o espectador já para metade do filme, não dá a mínima sobre oque vai acontecer com todas as figuras ali presentes. Não quer saber quem vai viver, ou quem vai morrer, pois no filme todos agem e são tratados como almas já mortas, sem importância. Algo que, por incrível que pareça, não é culpa dos atores. Os atores fazem oque podem com o material entregue, mas a direção enfatiza em tentar ser algo mais poético, porém sem alma. 

A referência de Bergman aqui também tem uma ligação forte com a linguagem teatral. A direção tenta conduzir o espectador a entrar na atmosfera fúnebre de uma peça com atores a deriva, mas Bergman tinha a capacidade de capturar seus espectadores para seus pesadelos de forma sucinta, e com muito menos diálogos pseudopoéticos(diálogos que Bergman sempre soube conduzir na medida certa sem parecer algo prepotente). Enquanto Ruy tenta fazer de tudo para chegar a ser Bergman nessa obra, esquece completamente de ser o próprio Ruy Guerra, que dirigiu filmes como Os Deuses e Os Mortos, onde existia um mundo caótico com muito mais vida do que seu último filme. 

Mesmo com suas problemáticas, a direção fotográfica de Pablo Baião consegue criar a melancolia e o mundo morto onde o protagonista não consegue ter a noção de estar vivo ou morto naquele cenário. Algo que Baião conseguiu expressar com tamanha habilidade com as luzes, com os movimentos de câmera e no trabalho conjunto com as atrizes Simone Spoladore e Christiana Ubach. 

Aos Pedaços é uma tentativa de poesia que tenta abraçar o existencialismo e a loucura no meio da solidão, mas acaba sendo uma tentativa de niilismo barata e sem inspiração. Mostra conflitos sem cor e sem emoção, uma junção de tentar ser algo potente mas que acaba em mais uma tentativa frustrada de tentar ser um filme sueco no Brasil. Um filme sobre paranoia, mas não tanta; amor, mas tão pouco; alucinações, mas com controle. Uma obra que se contem o tempo todo, e dificilmente dá para ouvir e ver aquele que não sabe muito bem oque falar. 

TEXTO DE ADRIANO JABBOUR.

Sing Sing - O Poder Transformador da Expressão Criativa no Sistema Carcerário

Sing Sing | A24

Sing Sing acompanha a história real de Divine G (Domingo), um homem preso por um crime que não cometeu, que encontra propósito ao atuar em um grupo de teatro ao lado de outros homens encarcerados, incluindo um novo e desconfiado integrante. Baseado em uma emocionante história real de resiliência, humanidade e o poder transformador da arte, o filme conta com um elenco inesquecível composto por atores que já foram encarcerados.

O programa Rehabilitation Through the Arts (RTA), com sua taxa de reincidência abaixo de 5%, oferece uma proposta inovadora e impactante. Porém, essa taxa extremamente baixa, quando comparada à média nacional de reincidência superior a 60%, pode gerar questionamentos sobre a eficácia da implementação desse tipo de programa em larga escala. Embora os resultados do RTA sejam impressionantes, é importante considerar que o contexto específico das prisões participantes, as condições individuais dos detentos, e o apoio institucional contínuo podem influenciar esses números.

A abordagem de reabilitação por meio da arte é indiscutivelmente poderosa, mas sua aplicabilidade universal e a replicabilidade de seus resultados merecem um exame mais profundo. No contexto do filme, o processo de transformação individual, impulsionado pela descoberta de novas formas de expressão, é relevante, mas também é necessário refletir sobre como o sistema penal mais amplo poderia se beneficiar de um modelo similar em vez de depender apenas de iniciativas pontuais como o RTA.

O filme segue a estrutura tradicional dos dramas de redenção, apresentando personagens à margem da sociedade que, de algum modo, descobrem um caminho para a transformação pessoal e a realização de algo significativo. Embora se baseie em uma fórmula conhecida, o longa se destaca ao humanizar os detentos, revelando suas complexidades e destacando o papel crucial da arte dentro do sistema carcerário. Ele consegue transmitir de forma sensível como a expressão criativa pode ser uma chave para a reintegração e o autoconhecimento. No entanto, apesar de tratar desses temas de maneira eficaz, o filme não explora tão profundamente outras dimensões do processo de redenção, deixando algumas camadas da história por desenvolver.

Por meio dos ensaios da peça "Breakin’ the Mummy’s Code", desenvolvida pelos próprios prisioneiros, o filme aprofunda temas universais e profundos que emergem no contexto carcerário, como a busca por redenção, o processo de transformação pessoal e o poder transformador da expressão artística. Ao destacar como a arte oferece uma saída significativa para os detentos, o filme mostra de forma sensível e impactante como a criatividade pode ser uma ferramenta crucial na reconstrução do indivíduo, permitindo a reflexão sobre o passado, a reintegração social e, muitas vezes, uma nova perspectiva sobre a vida e seus próprios destinos. Essa abordagem não apenas ilumina a complexidade humana por trás das grades, mas também reforça a importância do teatro como um meio poderoso de autoconhecimento e reabilitação.

Divine G é o líder criativo do grupo, que também conta com Mike Mike e o professor Brent Buell. Antes de ser preso por acusações graves, ele era advogado e, após anos de encarceramento em Sing Sing, sua paixão por livros e teatro o transformou no diretor criativo do programa. No entanto, seu gosto por clássicos e dramas mais sérios entra em conflito com os desejos dos outros detentos, que preferem explorar histórias mais originais e comédias.

A dinâmica do grupo muda quando Divine Eye, um dos prisioneiros mais difíceis e violentos, decide se juntar ao projeto após uma rara chance de ver sua sentença revista. Inicialmente hesitante e desconfortável, ele logo inspira os outros com uma enxurrada de ideias criativas, que mistura elementos de drama, ficção científica e faroestes, criando uma narrativa surpreendentemente inusitada e envolvente. Essa fusão de estilos e a energia criativa gerada no processo não só trazem leveza e diversão ao filme, mas também ilustram como a arte pode ser uma poderosa ferramenta de transformação e autodescoberta, mesmo em um ambiente tão restritivo como o sistema penitenciário.

Sing Sing é um drama emocionante que destaca o poder transformador da arte no sistema carcerário, mostrando como programas como o RTA podem ajudar na reabilitação e autodescoberta. Apesar de humanizar os detentos e abordar temas profundos como redenção, o filme poderia explorar mais as condições do sistema penitenciário e a escalabilidade desses programas. A obra é tocante, mas deixa algumas questões importantes por desenvolver.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Mar em Chamas – Uma Catástrofe Prenunciada

Mar em Chamas | Magnolia Pictures

 

Até onde vai a ambição do ser humano?

Em uma estação de inteligência numa plataforma de petróleo norueguesa, é verificado um acidente em uma das usinas de perfuração petrolífera e de gás Ekofisk. Após isso, a comandante de submarino e controladora de robôs subaquáticos, Sofia, é acionada para investigar a unidade e identificar as possíveis causas do desastre. Quando Sofia começa a buscar, por meio de sua máquina, as causas para o ocorrido, acaba descobrindo muito mais do que imaginava.

Do mesmo diretor de “Terremoto”, John Andreas Andersen nos traz desta vez para um universo em alto mar. Em uma empresa bilionária que explora combustíveis fósseis próximo à costa da Noruega. É notório o vislumbre que temos sobre o incontrolável poder de pessoas que buscam, cada vez mais, concentrar riquezas em detrimento da expropriação da natureza. O filme traz essa problemática sobre a extração de petróleo e as consequências devastadoras que esse modelo produtivo pode acarretar. Essas discussões já são realidades visíveis em vários países, inclusive no Brasil.

O longa consegue criar um suspense envolvente logo no início, atraindo a atenção do espectador com sua trama misteriosa. Quando Sofia é chamada para investigar um acidente em uma estação de petróleo, a história se desenrola com uma série de surpresas e cenas de ação bem executadas. No entanto, o que parecia ser um simples acidente revela-se apenas a ponta do iceberg de um problema muito maior. Não obstante, outro desastre ocorre em uma estação onde seu namorado trabalha. Sofia, então se vê em uma missão quase impossível: resgatar seu amado e descobrir se o mesmo sobreviveu. A empresa à qual eles estão vinculados se mostra completamente negligente e apática à situação, o que evidencia a indiferença que muitas vezes as corporações possuem em relação às vidas humanas.

A trama faz uma crítica nítida às grandes organizações e à exploração irresponsável dos recursos naturais, destacando os riscos que esses incidentes podem trazer para a população e o meio ambiente. À medida que a situação se agrava na película, a empresa e o governo tentam implementar soluções corretivas, mas em algum nível motivadas por interesses financeiros, e nem sempre priorizando a segurança das pessoas e o meio ambiente. Essa abordagem é claramente refletida na jornada de Sofia e seu amigo, que, embora inicialmente abandonados pela companhia, se lançam em busca de respostas e meios para salvar o amor da protagonista, questionando as prioridades dessas corporações.

No entanto, o longa metragem peca por não conseguir estabelecer uma conexão emocional com os protagonistas, o que prejudicou minha imersão ao enredo do filme. Apesar de boas cenas de efeitos especiais, o ritmo da história não é suficiente para gerar a tensão necessária, e as dificuldades enfrentadas por Sofia e seu amigo não parecem realmente desafiadoras, apresentando soluções um tanto óbvias. Isso impede que o filme crie a urgência e a empatia necessárias para um impacto emocional mais profundo. Mesmo assim, a obra cumpre sua função ao alertar sobre os impactos negativos das atividades petrolíferas em larga escala, evidenciando como a exploração de combustíveis fósseis pode representar uma ameaça crescente aos ecossistemas e à nossa realidade atual.

Autor:

Meu chamo Leonardo Veloso, sou formado em Administração, mas tenho paixão pelo cinema, a música e o audiovisual. Amante de filmes coming-of-age e distopias. Nas horas vagas sou tecladista. Me dedico à exploração de novas formas de expressão artística. Espero um dia transformar essa paixão em carreira, sempre buscando me aperfeiçoar em diferentes campos criativos.

O Homem do saco - Quando o Terror se Perde na Bagunça

O Homem do Saco | Paris Filmes

Uma família se vê envolvida em um pesadelo enquanto é caçada por uma criatura mítica e maligna. Durante séculos e em todas as culturas, os pais alertaram os seus filhos sobre o lendário Homem do Saco, que rapta crianças inocentes para nunca mais serem vistas. Patrick McKee (Sam Claflin) escapou por pouco quando menino, o que o deixou com cicatrizes ao longo de sua vida adulta. Agora, o pesadelo da infância de Patrick voltou, ameaçando a segurança de sua esposa Karina e de seu filho Jake.

O "Homem do Saco" é uma figura mítica presente em várias culturas, retratada como um homem com um saco que sequestra ou pune crianças desobedientes. Ele aparece em países latinos, Ásia, Europa e África, com diferentes nomes e características, mas sempre com o objetivo de assustar as crianças e fazê-las se comportar. Ao refletirmos sobre a figura do "Homem do Saco" no contexto do filme, é interessante perceber como a mitologia dessa figura pode ser reinterpretada ou utilizada de maneira simbólica em relação a temas contemporâneos, como o controle social, o medo do desconhecido e até mesmo a desconstrução de figuras autoritárias.

A obra pode ser vista como uma crítica ou até uma reflexão sobre como as histórias de medo, com base em figuras como o "Homem do Saco", perpetuam valores de punição e medo. Ao invés de buscar entender as causas do comportamento das crianças ou da sociedade, essas narrativas frequentemente preferem uma abordagem mais punitiva e intimidadora. Não apenas alimentando o medo e o conformismo, mas também serve como metáfora para os próprios mecanismos de controle social na atualidade. A ideia de um ser misterioso que sequestra ou pune aqueles que transgridem pode ser uma alusão indireta à forma como as instituições tentam manter a ordem, com a desculpa de proteger ou educar, mas muitas vezes ignorando questões mais profundas de justiça e compreensão.

Porém, o principal problema do filme é a tentativa de explorar a lenda de maneiras distintas, sem, no entanto, se aprofundar em nenhuma delas. A criatura é retratada tanto como um trauma infantil, quanto uma entidade paranormal, uma alucinação psicológica e uma ameaça física real. O resultado é uma mistura de conceitos desconexos que nunca conseguem estabelecer um tom consistente.

O visual da criatura, o 'Homem do Saco', é um exemplo impressionante de como os efeitos práticos podem ser bem utilizados, mesmo com um orçamento limitado. A figura sinistra, vestindo um capuz preto que cobre a maior parte do seu rosto, exibe apenas uma parte visível: um sorriso distorcido, com dentes irregulares e uma boca exageradamente alargada. Esse detalhe grotesco intensifica a aparência aterradora, amplificando ainda mais o mistério e o terror que ele desperta.

Homem do Saco de 2024 é uma obra que apresenta um potencial interessante ao explorar temas universais como medo, controle social e a figura mítica do sequestrador infantil. No entanto, seu principal defeito reside na tentativa de abarcar diferentes abordagens e interpretações para a lenda, sem se aprofundar de maneira suficiente em nenhuma delas. A mistura de traumas psicológicos, entidades paranormais e ameaças físicas cria uma narrativa confusa que compromete o impacto da história. Apesar de um visual impactante e uma boa utilização dos efeitos práticos, o filme falha ao não conseguir estabelecer um tom consistente, o que prejudica sua capacidade de envolver e gerar o tipo de tensão que se espera de um bom filme de terror. A crítica à perpetuação de valores punitivos através de figuras como o Homem do Saco é válida e instigante, mas se perde na dispersão de ideias, resultando em uma experiência que, embora visualmente eficaz, carece de profundidade e coesão narrativa.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Setembro 5 - Distância Emocional no Retrato do Massacre de Munique

Setembro 5 | Paramount Pictures

Em Setembro 5, uma equipe de jornalistas esportivos precisa mudar sua cobertura radicalmente quando atletas são feitos de reféns dentro da Vila Olímpica. O drama histórico conta a história do Massacre de Munique, atentado que aconteceu nos Jogos Olímpicos de Verão de 1972 na Alemanha, a partir do ponto de vista da equipe de transmissão da ABC Sports. Na noite de 5 de setembro de 1972, um grupo terrorista chamado Setembro Negro invadiu a Vila Olímpica e fez 11 atletas da delegação israelense de reféns. Então, os jornalistas esportivos que estavam cobrindo o evento tiveram que transformar a abordagem de suas pautas para noticiar ao vivo o que estava acontecendo durante o sequestro que viria a se tornar o maior atentado terrorista a acontecer em um evento esportivo até hoje.

O filme aborda os acontecimentos da noite de 5 de setembro de 1972, quando o grupo terrorista "Organização Setembro Negro" invadiu a Vila Olímpica em Munique e fez atletas da delegação israelense reféns. A crise foi transmitida para aproximadamente 900 milhões de pessoas, pois a emissora estadunidense ABC, juntamente com outras de diferentes países, estava presente para cobrir o evento e mostrou cenas ao vivo de ameaças, perseguições e negociações. O ponto de vista central é dos jornalistas esportivos, acompanhando a trajetória daqueles que precisaram adaptar suas coberturas para relatar o sequestro em tempo real. Ao contrário do filme Munique, de Steven Spielberg, que adota a perspectiva de um agente do esquadrão da Mossad (Agência de Inteligência de Israel) na busca por outros possíveis envolvidos no caso.

O filme, assim, não só destaca o papel crucial da mídia na transmissão de crises globais, mas também questiona a crescente influência da imprensa em momentos de tensão extrema, quando a linha entre informar e explorar se torna tênue. Para quem estuda ou trabalha com jornalismo, o filme oferece uma reflexão profunda sobre as responsabilidades da mídia e os dilemas éticos enfrentados pelos profissionais, especialmente em situações de grande pressão e risco. 

A direção adota uma abordagem "neutra", tentando manter a "objetividade" ao retratar os eventos, o que significa que o filme se foca mais nos aspectos técnicos da cobertura jornalística, como os bastidores, o uso de equipamentos e a preparação para a transmissão. Isso desperta interesse, pois permite ao público entender como a notícia foi manipulada e transmitida ao vivo. No entanto, essa ênfase nos aspectos técnicos acaba tornando o filme distante e emocionalmente frio. Apesar da escolha por uma câmera instável (que busca uma sensação de proximidade com a ação) e da imagem granulada com alto contraste (que pode sugerir tensão e drama), o filme não consegue criar uma conexão mais profunda com o público, parecendo mais uma exposição de fatos do que uma imersão emocional nos acontecimentos.

Setembro 5 retrata o Massacre de Munique de 1972 a partir da perspectiva dos jornalistas esportivos que cobriam os Jogos Olímpicos, focando nos bastidores da cobertura ao vivo do sequestro dos atletas israelenses. Embora ofereça uma reflexão importante sobre a responsabilidade da mídia e os dilemas éticos enfrentados em situações extremas, a abordagem técnica e "neutra" do filme, com ênfase nos aspectos operacionais da transmissão, resulta em uma falta de conexão emocional, o que torna a obra distante e menos impactante.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.

Luiz Melodia: No Coração do Brasil – Uma Ode à Música Popular Brasileira

Luiz Melodia: No Coração do Brasil | Embaúba Filmes

“É bom se soltar…Enquanto existe música em cada um, existe liberdade”

E é assim que se inicia o documentário de um dos maiores expoentes da música popular brasileira: Luiz Melodia, durante um de seus shows pedindo para que as pessoas se movimentem, dancem e cantem, por que era assim que ele gostava de sentir sua plateia, totalmente imersa em sua arte.

O documentário, bastante iconográfico e narrado por Luis durante entrevistas gravadas ao longo de sua carreira, mostra a origem do cantor carioca desde seus primeiros trabalhos até chegar ao estrelato máximo e ser reconhecido por milhões de brasileiros. Logo no primeiro ato, é possivel perceber como cantoras de grande escalão que já eram reconhecidas nos anos 70, ajudaram Luiz a catapultar o seu talento que só precisava de empurrãozinho para ser revelado como um dos maiores cantores e compositores do país.

Seu primeiro LP, Peróla Negra, lançado em 1973 teve bastante repercussão e sucesso de vendas, até porque já vinha com o título de um grande sucesso seu também gravado pela irreverente amiga, Gal Costa. Além de Gal, Maria Bethânia também foi outra artista a ter uma de suas músicas gravada, a famosa “Estácio, Holly Estácio”. Canção essa, que já tinha o puro DNA do multi-instrumentista Luiz Melodia, afinal, o bairro de Estácio, no morro do Rio de Janeiro, foi onde o músico nasceu.

Por mais que Luiz viesse de grandes raízes sambistas, até por seu pai, Oswald Melodia, já ser reconhecido no eixo carioca como um grande músico do gênero e foi até do mesmo que Luiz herdou seu nome artístico. Ele não queria apenas tocar samba, o cantor era contra se prender em um gênero. Isso demonstra como ele tinha uma pluralidade musical e contrariava os estereótipos (como ele mesmo cita) de que o negro tem que descer do morro e tocar apenas samba.

Ao longo de sua carreira, Luiz, tocou diversos estilos musicais como rock, blues e soul. O que acabou deixando várias gravadoras insatisfeitas e recusando trabalhos do cantor para gravar. Mas Luis deixa claro em seu documentário que era uma pessoa sempre seguia sua intuição e não deixava ser moldado por tendências. Ele era um cantor que acreditava no seu potencial e tinha autoconfiança na diversidade musical que podia entregar em seus versos.

O documentário é bastante respeitoso com o cantor que nos deixou a quase uma década. Isso se deve muito também à diretora musical e que também assina o roteiro do filme, Patrícia Columbo, a mesma foi grande amiga de Melodia. É incrível como também, a equipe de produção conseguiu captar tantas reportagens, matérias e entrevistas do músico e editaram em apenas ele como narrador. Isso reproduz uma autenticidade e segurança enorme pro longa, pois temos a certeza que nada está moldado ali. São gravações e imagens reais que transmitem toda a natureza e personalidade desse grande ícone brasileiro.

Luiz Carlos dos Santos, foi um homem simples do morro carioca e que mesmo com a sua fama, nunca esqueceu de onde veio e dos seus amigos. Era um cantor que sempre respeitava seu coração e seu tempo. Mesmo demorando anos para entregar novos discos, ele sabia que valeria a pena no final e estaria em paz consigo mesmo. Afinal, um artista precisa de seus instantes, sejam eles curtos ou longos para compor aquilo que se sente mais confortável. Sem falar, na grande legião fãs e apreciadores das suas músicas que ele sabia que sempre poderia contar.

Um longa que faz uma grande homenagem ao “poeta da Estácio”. Uma grande homenagem à MPB.

Autor:

Meu chamo Leonardo Veloso, sou formado em Administração, mas tenho paixão pelo cinema, a música e o audiovisual. Amante de filmes coming-of-age e distopias. Nas horas vagas sou tecladista. Me dedico à exploração de novas formas de expressão artística. Espero um dia transformar essa paixão em carreira, sempre buscando me aperfeiçoar em diferentes campos criativos.

Maria Callas - A Complexa Busca por Identidade

Maria Callas | Netflix

Um drama biográfico de uma grande artista em busca de sua identidade. Angelina Jolie interpreta Maria Callas, uma das mais icônicas cantoras de ópera do século XX no filme Maria, dirigido pelo aclamado Pablo Larraín. O longa retrata o período em que a soprano greco-americana se refugia em Paris, após uma vida pública marcada pelo glamour e pela turbulência. O filme Maria Callas revisita os últimos dias da lendária artista, destacando o momento em que ela reflete sobre sua trajetória e identidade na Paris dos anos 1970. Depois de se dedicar ao público e à sua arte, Maria decide encontrar consigo mesma e encontrar sua própria voz e identidade. Esse é um retrato e uma investigação psicológica de uma mulher que teve o mundo ao seus pés e marcada pelos holofotes da fama.

A direção é de Pablo Larraín, cineasta responsável por outros dramas biográficos aclamados, como Jackie (2016), que retratou Jacqueline Kennedy lidando com o luto após a morte de seu marido, o presidente John F. Kennedy, e Spencer (2022), que acompanhou a Princesa Diana durante o Natal de 1991, em meio à crise em seu casamento com o Príncipe Charles e as pressões da monarquia. Neste filme, Larraín narra os últimos dias de Maria Callas em Paris, onde a soprano reflete sobre sua vida e busca reconectar-se com sua identidade, após uma carreira marcada pela fama e pela turbulência. A direção de Pablo Larraín, conhecida por sua habilidade em explorar figuras históricas e psicológicas complexas, oferece uma abordagem sensível e introspectiva sobre a figura de Maria Callas.

No entanto, a forma como Larraín narra os últimos dias da soprano em Paris pode ser vista como uma oportunidade para ir além da simples reconstrução biográfica e explorar as emoções e o turbilhão interno da protagonista com mais profundidade. Em filmes anteriores, como Jackie, o cineasta demonstrou uma habilidade rara de transformar a biografia em um retrato psicológico e emocional, e com Maria Callas, ele novamente se debruça sobre o dilema de uma figura pública que luta para equilibrar sua identidade pessoal com as expectativas e pressões externas.

O uso do preto e branco em algumas cenas do filme vai além de uma simples referência temporal; ele antecipa uma narrativa estética fragmentada, que se distancia das produções anteriores. Essa escolha de paleta de cores cria uma atmosfera que enfatiza o contraste entre passado e presente, memória e realidade, proporcionando ao público uma experiência sensorial única e multifacetada. Ao adotar uma estética fragmentada, Larraín não apenas revisita o legado histórico de Maria Callas, mas também explora as contradições que permeiam sua figura complexa. O preto e branco, portanto, torna-se um meio eficaz para mergulhar nas sutilezas de sua identidade, criando uma vivência emocional que desafia o espectador a se perder, assim como Callas, entre a luz e a sombra de seu legado e de sua vida pessoal.

O filme, marcado por influências do musical e do melodrama, mescla emoções mundanas com aspirações quase transcendentais. Angelina Jolie, ao adotar uma abordagem contida e evitando excessos, entrega uma performance que finca a narrativa na complexidade humana, equilibrando com precisão os momentos estilisticamente audaciosos. Sua dedicação ao papel é evidente: Jolie revelou ter treinado suas cordas vocais por quase sete meses, buscando, dentro de suas limitações, prestar uma homenagem autêntica à figura de Maria Callas. Essa entrega técnica, aliada à sua interpretação sutil, enriquece a obra, tornando-a mais sólida.

Maria Callas é um retrato emocional e introspectivo dos últimos dias de Maria Callas, explorando a complexidade da soprano, sua busca por identidade e as contradições entre sua vida pública e privada. A obra transcende a biografia, oferecendo uma reflexão profunda sobre fama, memória e autodescoberta.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator em formação e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.