Saccharine (Insaciável) - Estamos presos dentro dos padrões da sociedade

Insaciável | Diamond Films

Saccharine, também intitulado Insaciável (2026), utiliza o terror corporal para abordar questões extremamente atuais relacionadas à aceitação, à pressão estética e à relação cada vez mais problemática da sociedade com o próprio corpo. A narrativa acompanha Hana, uma protagonista consumida pela insatisfação com sua aparência e pelas consequências de suas escolhas, enquanto o desejo de transformação física passa a assumir proporções cada vez mais perturbadoras. O longa consegue utilizar o horror não apenas como ferramenta de choque, mas como uma maneira de representar sentimentos como compulsão, insegurança e desespero, tornando seus temas ainda mais desconfortáveis para o espectador.

Um dos grandes méritos do filme está justamente na maneira como aborda assuntos necessários, como o uso de medicamentos para emagrecimento, a compulsividade alimentar e a dificuldade de aceitar o próprio corpo. O filme não trata essas questões de maneira superficial, utilizando o exagero característico do terror para levar determinadas situações até consequências extremas. Existe uma crítica evidente à pressão para alcançar um padrão estético e à ideia de que qualquer método pode ser válido quando o objetivo é modificar o próprio corpo. 

O horror surge, portanto, de algo que não parece tão distante da realidade, tornando algumas situações ainda mais incômodas. Constrói um terror perturbador e sufocante, utilizando o desconforto físico como uma extensão do psicológico. A sensação de repulsa não está presente apenas nas imagens mais grotescas, mas também na maneira como o filme acompanha a deterioração da protagonista. O espectador é colocado diante de situações que provocam incômodo justamente porque existe uma proximidade entre aquilo que estamos vendo e problemas que fazem parte da realidade. É um horror que não depende exclusivamente de sustos, mas da capacidade de fazer o público permanecer desconfortável mesmo quando nada explicitamente assustador está acontecendo.

Hana também funciona muito bem como centro dessa construção, suas decisões desesperadas são fundamentais para que o horror avance, porque conseguimos compreender de onde vem cada escolha mesmo quando sabemos que ela está caminhando para consequências cada vez piores. O filme consegue criar uma relação interessante entre empatia e apreensão: queremos que Hana encontre uma saída, mas ao mesmo tempo ficamos constantemente apreensivos com aquilo que ela será capaz de fazer para alcançar seus objetivos. Quanto mais desesperada ela fica, mais perturbadora se torna a própria narrativa, fazendo com que suas escolhas sejam responsáveis por grande parte da tensão.

Para quem gostou de A Substância, Saccharine (Insaciável) provavelmente será uma experiência bastante interessante. Os dois filmes compartilham uma preocupação em utilizar o horror corporal para discutir a relação com a aparência, a pressão estética e os limites que alguém pode ultrapassar na busca por uma versão considerada “melhor” de si mesmo.

A produção é um terror que incomoda justamente porque seus temas possuem uma conexão muito próxima com a realidade, o filme transforma inseguranças cotidianas em uma experiência perturbadora. É um filme que utiliza o grotesco para provocar reflexão e, para quem já se entregou ao horror de A Substância, certamente merece uma chance.

Autora:

Me chamo Mariana Alves, tenho 22 anos, atualmente estudante de Publicidade e Propaganda porém formada em Design Gráfico e Técnico em Alimentos, já atuo no mercado como Marketing. Sou apaixonada por filmes e videogames, adoro ir ao cinema e falar sobre The Last of Us.

O Fim da Rua - Os dinossauros estão à solta!

 O Fim da Rua | WarnerBros. Pictures 

Em O Fim da Rua acompanhamos uma família que possui uma reviravolta em sua vida após um evento cósmico arrancar seu bairro do subúrbio e o transportar para a era dos dinossauros. A produção da Warner Bros., resgata com bastante eficiência a essência das aventuras de ficção científica e terror dos anos 80, a trilha sonora caricata e a fotografia são alguns dos principais responsáveis por essa atmosfera, trabalhando juntas para compor as cenas e estabelecer uma identidade visual própria. Existe uma preocupação evidente em fazer o espectador sentir que está diante de uma aventura de outra época, mas com recursos contemporâneos, o que contribui para tornar o filme leve, divertido e extremamente acessível.

Entre os maiores méritos do longa está justamente sua relação com o cinema de dinossauros que consegue recuperar aquela sensação de descoberta, perigo e diversão que marcou Jurassic Park, tornando-se uma das experiências mais divertidas do gênero nos últimos anos. O filme entende que os dinossauros não precisam estar presentes apenas como ameaças, mas também como parte fundamental do espetáculo, utilizando as criaturas para criar momentos de tensão, surpresa e entretenimento. Essa combinação faz com que o longa seja capaz de despertar aquela sensação de aventura que muitas produções modernas acabam deixando de lado.

A direção demonstra bastante controle sobre os acontecimentos, construindo sequências bem planejadas e executadas sem transformar a ação em uma sucessão confusa de cortes. A movimentação da câmera, os enquadramentos e a utilização dos dinossauros dentro dos cenários ajudam a criar uma sensação de escala e perigo, fazendo com que o espectador se sinta inserido naquele ambiente. Essa escolha é especialmente importante para uma produção que depende tanto do espetáculo visual, já que a ação não funciona apenas como uma pausa entre os momentos narrativos, mas como parte essencial da experiência.

Anne Hathaway e Ewan McGregor também entregam atuações que elevam consideravelmente a imersão da produção, ambos conseguem transmitir com naturalidade as diferentes emoções exigidas pela narrativa, alternando entre momentos de humor, tensão, medo e vulnerabilidade sem deixar que seus personagens pareçam deslocados dentro de uma aventura tão grandiosa. Existe uma química entre os dois que ajuda a sustentar os momentos mais pessoais da história e faz com que o público se importe com aquilo que está acontecendo além dos próprios dinossauros.

Porém, o longa encontra seu principal problema justamente quando começa a se encaminhar para a conclusão. Do meio para o final, algumas das questões apresentadas ao longo da história parecem ser solucionadas rápido demais, fazendo com que o encerramento transmita uma sensação de corte seco. Quando os créditos começam a aparecer, fica aquela sensação inevitável de: “Já acabou? É isso?”. O problema não está necessariamente na resolução em si, mas na velocidade com que ela acontece, dando a impressão de que faltou um pouco mais de desenvolvimento para que o desfecho tivesse o mesmo impacto construído durante o restante da produção.

O Fim da Rua (2026) é, acima de tudo, um filme extremamente divertido e uma das melhores experiências com dinossauros desde Jurassic Park. Embora seu terceiro ato acelere demais e deixe uma sensação de encerramento abrupto, o conjunto ainda funciona muito bem como entretenimento. É um daqueles filmes que conseguem fazer o público simplesmente sentar, assistir e se divertir, recuperando uma sensação de aventura que o cinema contemporâneo nem sempre consegue reproduzir.

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Me chamo Mariana Alves, tenho 22 anos, atualmente estudante de Publicidade e Propaganda porém formada em Design Gráfico e Técnico em Alimentos, já atuo no mercado como Marketing. Sou apaixonada por filmes e videogames, adoro ir ao cinema e falar sobre The Last of Us.

Mestres do Universo (1987) - Não se preocupem! He-man irá salvá-los!

Mestres do Universo | Cannon Films

Mestres do Universo (1987) é uma adaptação do desenho animado dos anos 80 e carrega consigo diversos elementos, elementos esses que o tornaram um clássico, desde o visual dos personagens até a presença de Eternia. Existe um certo charme em acompanhar esses elementos ganhando uma versão em live-action, principalmente pelo cuidado em reproduzir características tão reconhecíveis para quem cresceu com a animação. Porém, é justamente nesse aspecto que surge uma das maiores frustrações do longa: a ausência de He-Man como Adam. O filme praticamente não explora a identidade do herói antes de sua transformação e não apresenta sequer uma cena em que o personagem seja visto como Adam, deixando de lado uma característica importante de sua personalidade e de sua relação com o próprio poder.

A narrativa também transmite a curiosa sensação de que estamos entrando em uma história que já começou antes mesmo dos créditos iniciais. O filme praticamente começa no meio da ação, apresentando os personagens e o conflito já estabelecidos com a chegada de Skeletor, sem dedicar muito tempo para explicar aquele universo ao espectador. Embora isso contribua para um ritmo inicialmente acelerado, também faz com que a trama pareça uma continuação direta de alguma aventura anterior que nunca chegamos a assistir. Para quem já conhece Mestres do Universo, é possível acompanhar melhor os acontecimentos, mas quem chega sem familiaridade com a franquia pode sentir que está constantemente tentando entender as regras daquele mundo.

Outro ponto que me incomoda é a decisão de transportar boa parte da história para a Terra. Mestres do Universo possui um universo extremamente rico, com planetas, criaturas, tecnologias, magia e diferentes regiões que poderiam ser exploradas visualmente. Por isso, limitar grande parte da aventura ao nosso próprio planeta acaba diminuindo justamente aquilo que torna a franquia tão interessante. A sensação é de que existe um potencial gigantesco sendo desperdiçado em favor de uma ambientação mais familiar, quando o longa poderia aproveitar sua proposta para construir uma verdadeira aventura de fantasia e ficção científica em Eternia.

Apesar dessas limitações, o elenco é um dos elementos mais cativantes da produção. Os atores conseguem transmitir personalidade aos personagens mesmo quando o roteiro não oferece tanto espaço para desenvolvê-los, e existe uma energia divertida nas interações que ajuda a sustentar o filme. Dolph Lundgren possui o físico e a presença necessários para interpretar He-Man, enquanto Frank Langella entrega um Skeletor carismático e ameaçador. Mesmo os personagens secundários conseguem contribuir para o charme da aventura, fazendo com que seja fácil se apegar ao grupo apesar das limitações narrativas.

Mestres do Universo (1987) está longe de aproveitar completamente o potencial de sua própria mitologia, mas ainda consegue preservar parte do encanto que tornou o desenho dos anos 80 tão marcante. No fim, é um filme que funciona melhor como uma curiosidade nostálgica de uma época em que Hollywood ainda estava tentando descobrir como levar grandes franquias de fantasia para o cinema, mas que deixa a sensação de que poderia ter sido muito maior se tivesse acreditado mais no próprio universo.

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Honestino (2026) - Juntos na luta pela educação e democracia

Honestino | Pandora Filmes

Honestino (2026), dirigido por Aurélio Michiles, resgata a trajetória de Honestino Guimarães, ex-presidente da UNE e um dos principais líderes do movimento estudantil brasileiro durante a ditadura militar, estudante da UnB e importante voz da geração de 1968, preso cinco vezes e sequestrado em 1973 aos 26 anos. Ao apresentar sua trajetória política e pessoal, o filme busca humanizar uma figura frequentemente lembrada apenas pelos acontecimentos que marcaram seu desaparecimento, evidenciando seus ideais, conflitos e relações ao longo desse período turbulento da história do Brasil.

A direção de Aurélio Michiles demonstra sensibilidade ao equilibrar momentos de forte carga dramática com uma narrativa de ritmo constante, evitando transformar a obra em uma sucessão de acontecimentos históricos. O diretor aposta em uma linguagem intimista, permitindo que os personagens conduzam a narrativa por meio de seus depoimentos enquanto os cortes gravados por atores ilustram os momentos citados. A montagem, principalmente, favorece o desenvolvimento da narrativa ao organizar os acontecimentos de forma clara, permitindo que o espectador acompanhe a evolução política de Honestino sem comprometer o entendimento da cronologia, já a trilha sonora é utilizada de maneira mais  pontual, reforçando a tensão dos momentos mais dramáticos sem competir com as emoções transmitidas pelos personagens.

Bruno Gagliasso assume a responsabilidade de interpretar Honestino Guimarães de maneira contida e respeitosa, sua atuação transmite convicção nos momentos de maior tensão política, ao mesmo tempo em que evidencia a humanidade de Honestino por meio de pequenos gestos e expressões, tornando mais palpáveis seus medos, convicções e sacrifícios. A escolha de intercalar essas cenas dramatizadas com registros de arquivo, cartas, poemas e depoimentos de figuras que conviveram ou estudaram o período reforça a autenticidade da narrativa. Em vez de competir com o material documental, a interpretação de Gagliasso funciona como um elo entre a ficção e a memória histórica, contribuindo para aproximar o espectador de uma figura conhecida nos livros de História.

Entretanto, o ritmo mais contemplativo pode causar a sensação de lentidão para parte do público e possivelmente anticlimático, especialmente nos trechos em que o longa dedica mais tempo às discussões políticas do que aos conflitos do protagonista. Ainda assim, essas escolhas não comprometem a proposta da obra, que permanece coerente com sua intenção de preservar a memória de Honestino Guimarães e do período retratado. 

Honestino (2026) se destaca pela qualidade de sua reconstrução histórica e pelo cuidado técnico empregado em todos os aspectos da produção. Mesmo apresentando um ritmo mais contido, o longa cumpre seu papel ao provocar reflexão sobre um período marcante da história brasileira e reafirmar a importância da preservação da memória e da democracia. 

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Evil Dead Burn (2026) - O inimigo está mais próximo do que você imagina

Evil Dead Burn | Warner Bros. Pictures

O longa marca um novo capítulo para uma das franquias mais icônicas do terror ao preservar os elementos clássicos da saga enquanto busca estabelecer uma identidade própria. A narrativa acompanha uma família de luto que, ao se depararem com uma força sobrenatural em busca de um objeto em sua casa, acabam desencadeando uma nova onda de possessões e violência extrema. Diferentemente de outros filmes da franquia, o roteiro dedica mais tempo à construção dos acontecimentos que antecedem a chegada do mal, oferecendo uma justificativa mais consistente para o despertar da entidade demoníaca. Essa abordagem torna a ameaça mais orgânica dentro da narrativa e faz com que os eventos não pareçam apenas uma repetição da tradicional fórmula do Necronomicon, também conhecido como o Livro dos Mortos.

Embora preservem a crueldade e o sadismo característicos da franquia, seus comportamentos apresentam diferenças em relação aos filmes anteriores, explorando novas formas de manipulação psicológica e violência. Essa mudança impede que o filme se torne previsível e cria uma sensação constante de incerteza, já que o espectador nunca sabe exatamente quais serão os limites das criaturas. Em vez de apenas reproduzir cenas conhecidas pelos fãs da saga, Evil Dead Burn procura reinventar parte de sua mitologia sem abandonar sua essência.

Os personagens também contribuem para que a tensão permaneça elevada durante toda a projeção. Cada integrante da família possui características próprias e personalidades bem definidas, fazendo com que suas decisões pareçam naturais, mesmo quando questionáveis. Essa construção torna as consequências de cada decisão mais impactantes e fortalece o envolvimento emocional com a história, algo essencial para um filme que depende tanto da tensão constante.

A maneira de utilização da câmera deste filme é de longe um dos pontos mais altos da produção! Há uma evidente preocupação em utilizar a câmera como parte da narrativa, fazendo com que cada perseguição e cada aparição demoníaca ganhem ainda mais intensidade. Essa escolha potencializa os sustos e reforça a identidade visual do longa, tornando a experiência mais imersiva.

Evil Dead Burn (2026) consegue respeitar o legado da franquia enquanto introduz ideias suficientes para justificar sua existência entre os demais filmes da série. Ao apostar em uma explicação mais elaborada para a origem dos acontecimentos, apresentar demônios com comportamentos inéditos, desenvolver personagens capazes de manter o espectador constantemente apreensivo e investir em uma direção de câmera extremamente eficiente, o longa entrega uma experiência intensa para fãs de terror. Mesmo sem reinventar completamente a fórmula de Evil Dead, o filme demonstra que ainda há espaço para explorar novos caminhos dentro desse universo sem perder a brutalidade e a identidade que transformaram a franquia em um dos maiores nomes do gênero.

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Na Boca do Diabo - Na torcida pelo tubarão

Na Boca do Diabo | Amazon Prime Video

Na Boca do Diabo (2026), produção do Prime Video, parte de uma premissa simples e bastante conhecida dentro do cinema de sobrevivência: um grupo de personagens precisa enfrentar a ameaça de um tubarão enquanto tenta encontrar uma maneira de escapar com vida. O problema é que, apesar de possuir uma proposta que poderia render uma experiência de tensão constante, o longa acaba encontrando dificuldades justamente na construção daqueles que deveriam sustentar a narrativa. Os personagens são excessivamente caricatos, com personalidades exageradas e decisões que muitas vezes parecem existir apenas para movimentar a história. As discussões entre eles também seguem esse caminho, apresentando conflitos pouco convincentes e diálogos que acabam retirando parte da seriedade dos momentos em que o público deveria estar apreensivo.

Essa caracterização exagerada faz com que o espectador tenha dificuldade para criar qualquer vínculo com os personagens, exceto Sara, interpretada por Kathryn Newton que consegue conquistar o público com seu carisma. Porém, em determinados momentos, as escolhas tomadas são tão questionáveis que o perigo deixa de estar relacionado apenas ao tubarão e passa a ser consequência direta das próprias atitudes do grupo. O resultado é curioso: em vez de torcer pela sobrevivência dos personagens, chega um ponto em que o espectador começa a torcer pelo próprio tubarão.

O maior déficit está na maneira como o filme trabalha sua tensão, a produção depende diretamente da sensação de perigo e da expectativa sobre quando e como o ataque irá acontecer, mas Na Boca do Diabo nem sempre consegue sustentar esse sentimento. Depois de estabelecer sua premissa, o longa começa a se tornar maçante, repetindo situações e conflitos que não conseguem aumentar significativamente a sensação de ameaça. A espera pelos próximos acontecimentos deixa de ser angustiante e passa a ser previsível, fazendo com que alguns momentos que deveriam provocar tensão acabem tendo pouco impacto. Ainda assim, a presença do tubarão consegue proporcionar alguns momentos interessantes dentro da proposta do filme, a criatura funciona melhor quando a direção permite que sua presença seja construída através da expectativa, utilizando o ambiente e a limitação de espaço para transmitir a sensação de vulnerabilidade dos personagens. O problema é que esses momentos não são suficientes para compensar um roteiro que frequentemente depende de decisões pouco inteligentes e conflitos artificiais para prolongar a narrativa.

Na Boca do Diabo possui uma premissa capaz de entregar um bom filme de sobrevivência, mas acaba prejudicado pela caracterização caricata de seus personagens, por conflitos pouco convincentes e principalmente por uma dificuldade em manter a tensão durante toda a produção. Apesar de apresentar alguns momentos divertidos e sequências capazes de funcionar dentro da proposta, o longa se torna cansativo ao repetir sua fórmula e não consegue transformar seu potencial em uma experiência realmente angustiante.

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Avatar: A Lenda de Aang – Livro Um: Água (2005): Quando a fantasia revela as marcas da guerra

Avatar: A Lenda de Aang | Paramount+

Livro Um: Água (水) é a primeira temporada de Avatar: A lenda de Aang. Após ser encontrado em um iceberg por Katara e Sokka, Aang descobre que precisa assumir seu destino como Avatar e aprender a Dobra de Água. Enquanto viajam rumo ao Polo Norte em busca de um mestre, os três enfrentam os desafios da guerra contra a Nação do Fogo.

O mundo de Avatar: A Lenda de Aang é dividido em quatro nações, cada uma associada a um elemento: Água, Terra, Fogo e Ar. Inicialmente, essas nações viviam em equilíbrio, mas tudo mudou quando a nação do fogo iniciou uma guerra logo após o desaparecimento do Avatar. Ao longo da série, a Nação do Fogo é frequentemente interpretada como uma referência ao expansionismo imperialista. Sua busca por dominar os demais povos, aliada à industrialização acelerada, ao militarismo e à violência contra outras nações, funciona como uma crítica aos efeitos do imperialismo, da guerra e da conquista sobre as sociedades e culturas.

O Avatar é a única pessoa capaz de dominar os quatro elementos — Água, Terra, Fogo e Ar — e pode ser entendido como o “escolhido” para preservar a harmonia entre as nações e entre os mundos físico e espiritual. A cada morte, o Espírito Avatar reencarna em uma nova pessoa, seguindo um ciclo entre as quatro nações. Além de dominar todos os elementos, o Avatar pode se conectar ao Mundo Espiritual, acessar a sabedoria de suas vidas passadas e utilizar o Estado Avatar, que amplia significativamente seus poderes. Embora não possua autoridade política formal, sua posição como mediador e símbolo de paz lhe confere grande influência. Sua existência representa a ideia de que o poder deve ser utilizado em favor da estabilidade e da proteção dos povos, questionando o uso da força e da autoridade para dominação e conquista.

A trama da animação, mesmo sendo voltada para o público infantil, consegue abordar temas bastante maduros ao longo da história. Durante a jornada, Aang, Katara e Sokka passam por cidades destruídas pela guerra, encontram famílias separadas, refugiados, escassez de recursos e pessoas que vivem com medo constante dos ataques da Nação do Fogo. Essa escolha torna o conflito mais humano e evita romantizar a guerra, evidenciando seus impactos sobre a população civil. A história também trabalha temas como o luto e a perda. Katara e Sokka cresceram sem a mãe, enquanto Aang desperta depois de cem anos preso em um iceberg e descobre que todo o seu povo foi exterminado. Essas perdas influenciam a forma como cada personagem enxerga o mundo e ajudam a construir suas personalidades ao longo da narrativa. Ao mesmo tempo, a amizade entre os personagens demonstra que novos laços podem surgir mesmo após grandes perdas, fazendo com que Aang encontre em Katara e Sokka uma nova família.

As dominações conectam os movimentos corporais ao controle dos elementos, utilizando posturas firmes, movimentos precisos e técnicas inspiradas em artes marciais. Essa escolha é um dos grandes méritos da animação, pois torna as batalhas mais dinâmicas, expressivas e cria uma identidade própria para cada tipo de dobra. Como nesta temporada Aang inicia seu aprendizado da dobra de água, vale destacar esse elemento, que à primeira vista pode parecer menos poderoso em comparação aos outros. Porém, a série mostra que sua verdadeira força está na versatilidade e na alternância entre ataque e defesa. A dobra de água permite ao usuário controlar o ritmo da luta, redirecionar ataques e transformar movimentos defensivos em contra-ataques. Técnicas como o Chicote de Água demonstram a criatividade desse elemento, mostrando que seu poder não depende apenas da força, mas também da habilidade, estratégia e adaptação do dobrador.

A animação é um dos aspectos que mais contribuem para a identidade da série. Embora seja uma produção estadunidense, seu estilo visual apresenta forte influência das animações japonesas. Isso pode ser percebido no design dos personagens, nas cenas de ação e no uso de recursos visuais para momentos de humor e emoção, como é o caso das expressões dos personagens que mostram o uso de caricaturas faciais exageradas, uma influência dos animes e desenhos de comédia. Os rostos são deformados para destacar emoções como surpresa, medo, raiva e constrangimento, tornando as cenas mais engraçadas e expressivas. Esse recurso quebra temporariamente o estilo visual padrão da série e ajuda a equilibrar momentos dramáticos com humor. Essa combinação entre elementos orientais e ocidentais resulta em uma identidade artística própria, que diferencia a série de outras animações do período.

Avatar: A Lenda de Aang (Livro Um: Água) se destaca por unir aventura, fantasia e temas mais profundos, abordando questões como guerra, perda, responsabilidade e equilíbrio. A série desenvolve um universo rico, com diferentes culturas e formas de dominação dos elementos. A animação e as coreografias de luta reforçam a identidade da série, combinando influências orientais e ocidentais de maneira criativa. Dessa forma, Livro Um: Água vai além de uma simples história de fantasia, utilizando seus personagens e conflitos para transmitir reflexões sobre humanidade, amizade e a busca pela paz.

Autor:

Meu nome é João Pedro, sou estudante de Cinema e Audiovisual, ator e crítico cinematográfico. Apaixonado pela sétima arte e pela cultura nerd, dedico meu tempo a explorar e analisar as nuances do cinema e do entretenimento.